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Guida alla collezione

Benvenuti nella nostra sezione di apprendimento, dedicata a fornire tutte le informazioni necessarie per esplorare e comprendere il mondo delle stampe e dei multipli. Che siate collezionisti esperti o appassionati alle prime armi, qui troverete guide dettagliate che coprono un'ampia gamma di argomenti, dall'acquisto di opere d'arte alla loro cura e conservazione. Queste risorse vi aiuteranno a fare scelte consapevoli e a scoprire il fascino che si cela dietro ogni opera d'arte che incontrate.

Abbiamo incluso consigli pratici su come iniziare una collezione d'arte, capire il valore delle opere e le tendenze del mercato. Con queste guide vogliamo rendere l'arte accessibile a tutti, trasformando la vostra passione in una collezione significativa e ben curata. Sfogliate i nostri contenuti per trovare ispirazione e spunti che vi accompagneranno nel vostro viaggio nel mondo dell'arte.

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TECNICHE DI STAMPA

Acquaforte
L'acquaforte è un metodo antico per creare stampe d'arte. L'artista gratta la superficie di una lastra metallica (di solito rame o zinco) ricoperta da un fondo ceroso con un ago da incisione appuntito che utilizza come una penna per tracciare il disegno che verrà stampato al contrario. La lastra viene quindi immersa in un bagno di acido nitrico. L'acido "morde" la lastra, dove viene esposta, lasciando dietro di sé linee affondate nella lastra. Per ottenere linee più scure, la lastra può essere nuovamente immersa nell'acido. La lastra viene inchiostrata dappertutto e poi l'inchiostro viene cancellato dalla superficie, lasciando solo l'inchiostro nelle linee incise. La lastra viene quindi passata in una macchina da stampa ad alta pressione insieme a un foglio di carta (spesso inumidito). La carta raccoglie l'inchiostro dalle linee incise, creando una stampa.
Acquatinta
Questo processo di stampa denominato "acquatinta" consiste nella granulazione di una lastra metallica, rivestita di cera. La texture viene creata facendo cadere sulla matrice dei granelli di sale che si attaccano alla lastra riscaldata. I grani di sale verranno ripuliti, lasciando così piccoli interstizi in cui penetrerà l'acido. È possibile ottenere efficaci sfumature di chiaro e scuro, semplicemente variando il tempo di immersione e ricoprendo le aree bianche con una vernice grassa. L'acquatinta viene solitamente abbinata all'acquaforte, poiché il processo di stampa è lo stesso, sulla stessa matrice o su matrici diverse, che verranno stampate con inchiostri di colore diverso per ottenere l'immagine desiderata.

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TECNICHE DI STAMPA

LITOGRAFIA

La litografia, dal greco "lithos" (pietra) e "graféin" (scrivere), è un metodo di stampa che utilizza una pietra (calcare) dalla superficie liscia. Questo processo di stampa funziona in base al principio che il grasso e l'acqua si respingono. L'artista disegna su una pietra con un pastello o un inchiostro grasso e poi copre la pietra con un sottile strato d'acqua. L'inchiostro viene applicato su un'immagine trattata con grasso sulla superficie di stampa piatta; le aree non trattate dall'immagine (bianche), che trattengono l'umidità, respingono l'inchiostro litografico. Questa superficie inchiostrata viene poi stampata direttamente su carta, riproducendo perfettamente il disegno dell'artista, per mezzo di un cilindro di gomma. L'inchiostro oleoso si attacca all'immagine grassa ma non alle aree coperte d'acqua. Lo stesso processo può essere utilizzato oggi utilizzando lastre metalliche - zinco o acciaio trattate con granulazione, in modo da irruvidire leggermente la lastra di pietra che respinge l'inchiostro grasso nelle aree non coperte dall'immagine. L'artista può disegnare su pietre o lastre diverse con vari colori e stamparle sulla stessa carta, per ottenere stampe a colori.

SERIGRAFIA
Questa antica tecnica di stampa è apparsa per la prima volta in Cina, dove veniva utilizzata la seta, prima dell'invenzione della rete di poliestere. Si tratta di una tecnica di stencil che impiega un tessuto teso su un telaio di supporto del retino. Sullo schermo viene creato uno stencil applicando un "blocco" (colla, carta, pellicola tagliata a mano, emulsione fotosensibile o pellicola di gelatina) a tutte le aree non interessate dall'immagine. L'inchiostro viene quindi applicato all'intero schermo utilizzando una spatola che costringe l'inchiostro a passare attraverso l'area aperta dello stencil su carta o altro materiale. Poiché con la serigrafia si possono ottenere colori piatti, ricchi e compatti, questa tecnica è particolarmente adatta alle immagini bidimensionali. È possibile utilizzare più retini per produrre un'immagine o un disegno multicolore.

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TECNICHE DI STAMPA

Acquaforte
Acquatinta

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TECNICHE DI STAMPA

LITOGRAFIA
SERIGRAFIA

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Descrizione
Delle stampe d’autore

Le stampe e i multipli sono opere (serigrafie, litografie, acqueforti, ecc.) prodotte in edizioni limitate talvolta numerate e realizzate a partire da un disegno originale dell'autore, talvolta a partire da una matrice incisa direttamente dall'artista.

Le stampe e i multipli, chiamati anche multipli d'arte, permettono di distribuire un'opera in modo diverso e unico. Sono comunque accessibili a un pubblico limitato, ma non solo al singolo acquirente come potrebbe essere per un'opera unica. I multipli d'arte, infatti, sono di qualità controllata, prodotti in quantità numerate, certificati, autenticati e firmati dall'artista stesso.

Queste opere rappresentano edizioni limitate che gli artisti hanno voluto riprodurre. Attraverso questa modalità, molti appassionati e collezionisti possono acquistare opere di grandi artisti sempre al loro massimo valore.

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elementi
Delle stampe d’autore

Joan Miró
Miró Milano, 1981
Litografia

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Informazioni e descrizioni
Sulle stampe d’autore

Le stampe e i multipli sono ancora opere d'arte pure e originali, create attraverso diversi metodi tradizionali, e fanno parte della produzione dell'opera di ogni autore. È proprio questa la chiave per capire cosa sono i multipli d'arte.

Avere un multiplo d'arte non significa avere una copia dell'opera originale, ma piuttosto avere un pezzo unico nel suo genere che l'autore ha voluto produrre appositamente. L'espressione dell'arte attraverso questo tipo di linguaggio rappresenta un mezzo di dialogo diretto con la produzione completa di ogni autore.

Molti artisti scelgono di presentare le loro opere sotto forma di edizioni per diffondere le loro idee più intrinseche, il loro stile e il messaggio che intendono inviare attraverso la loro arte. Avere tutti i multipli dell'arte di un artista significa avere tutto se stesso.

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Storia
Delle stampe d’autore

Andy Warhol ha rivoluzionato il mercato dell'arte utilizzando processi di stampa creativi, in particolare la serigrafia, per creare alcune delle sue opere più importanti.
In quegli anni, intorno al 1967, le sue opere erano molto accessibili, oggi le stesse opere vengono vendute a oltre 100.000 dollari l'una e un portfolio completo composto da 10 Marilyn del 1967 può costare un milione e mezzo di dollari.

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Storia
Delle stampe d’autore

Di recente Banksy ha venduto alcune delle sue stampe serigrafiche come “Christ with Shopping Bags” o “Love is in the air” rispettivamente per 500 e 100 sterline.

Il successo avuto da questo artista nell’ultimo decennio ha portato a prezzi di vendita di oltre 20.000 dollari ciascuna all’asta di Bonhams nel 2012.

Il valore di Banksy è aumentato così tanto che possiamo trovare stampe non numerate e non firmate in gallerie per diverse migliaia di euro.

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Certificazione e provenienza
Delle stampe d’autore

Le opere d'arte degli artisti emergenti di oggi possono valere una fortuna in futuro. Tuttavia, anche le opere di artisti già affermati devono poter garantire agli acquirenti un investimento sicuro. Uno degli aspetti più importanti dell'acquisto di stampe d'autore è la certificazione e la provenienza.


La collezione Iqoniq è nata da una collaborazione con gallerie storiche già riconosciute nel panorama italiano e internazionale per assicurarci che ogni stampa sia accuratamente verificata e certificata.


La nostra dedizione alla trasparenza e alla qualità ci permette di offrire opere d'arte di valore comprovato, arricchendo le collezioni dei nostri clienti con pezzi unici, autentici e di origine certa.

Partnership con

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Unicità
Delle stampe d’autore

C’é una vera e propria scienza dietro al mondo delle stampe e dei multipli.

Ciò che accade con le singole opere d'arte può accadere anche con i multipli (plagio). Per questo motivo esistono alcune caratteristiche necessarie affinché ogni stampa d'arte sia autentica:

- Certificazione: è sempre il Magister che si occupa della certificazione. In essa devono essere dichiarati l'autorizzazione dell'autore, il numero della serie limitata, il processo di realizzazione dell'opera, la carta scelta e la data di realizzazione. Spesso i documenti vengono smarriti, quindi l'unica garanzia è l'acquisto di un'opera di provenienza certa. (Galleria o fondazione)

- Edizione: il numero di opere prodotte è limitato, ciò significa che ogni opera sarà certificata e numerata singolarmente e progressivamente come parte di una serie limitata.

- Firma: ogni opera originale reca la firma dell'autore o la sigla della fondazione dell'artista.

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Unicità
Delle stampe d’autore

Con i multipli d'arte si rivalutano i processi artigianali e i lunghi tempi di lavorazione della "stamperia", rispetto alla sfida tecnologica rappresentata dalla stampa industriale (poster).

Ogni fase della stampa industriale non può essere totalmente manuale, quindi non è possibile ottenere: la diversità, l'originalità e quindi l'assoluta unicità di quel "bene estetico" che sono le stampe originali e le stampe ufficiali e i multipli.

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Più utilizzi
Per le stampe d’autore

Le stampe e i multipli sono unici perché la matrice viene distrutta o deturpata per impedirne il riutilizzo e dare così valore a ogni multiplo.
Le stampe d’autore possono essere acquistate anche per investimento. Online si possono vedere gli andamenti di mercato delle più grandi case d’asta , si parla di un mercato che ogni anno fattura milioni di dollari, in continua crescita, anche molto apprezzato dalle nuove generazioni.
Una stampa può essere acquistata anche per dare più personalità agli ambienti della propria vita, con opere uniche e limitate, firmate a mano da artisti museali.

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Tipi di numerazione
Delle stampe d’autore

Ogni stampa può avere un diverso tipo di numerazione.

(La scelta dello stile deriva semplicemente dall' artista, non cambia il valore storico o economico.)

• Numerazione araba es: 20/100
• Numerazione romana es: II/ X
• Numerazione alfabetica da a/z a z/Z (possono comprendere anche xywjk)
• PDA o p.a (prova d’autore)
• H.C .(fuori commercio)
• E f. .(fuori commercio) FRANCIA

Biografie degli artisti

Agostino Bonalumi

Agostino Bonalumi nasce a Vimercate, vicino a Milano, il 10 luglio 1935. Abbandonati gli studi di disegno tecnico e meccanico, si dedica alla pittura da autodidatta, tenendo la sua prima mostra personale alla Galleria Totti di Milano nel 1956. Frequenta lo studio di Enrico Baj e incontra Enrico Castellani e Piero Manzoni, con i quali espone nel 1958 a Roma, Losanna e successivamente a Milano. L’anno seguente fonda insieme a Castellani la rivista Azimuth e frequenta lo studio di Lucio Fontana, avviando una ricerca incentrata sullo spazio che lo conduce alla realizzazione delle prime estroflessioni: opere che l’artista definisce Pitture-Oggetto, ottenute tramite telai e strutture collocate sul retro della tela, che ne provocano tensione e deformazione. Negli anni Sessanta la sua ricerca evolve verso la creazione di opere-ambiente, nelle quali lo spettatore partecipa attivamente allo spazio, come Blu abitabile (1967), Grande ambiente bianco e nero (1968) e Ambiente pittura dal giallo al bianco e dal bianco al giallo (1979).

Partecipa alla Biennale di Venezia nel 1966, nel 1970 con una sala personale e nuovamente nel 1986. Nel 1980 una grande retrospettiva delle sue opere viene allestita nelle sale di Palazzo Te a Mantova e, l’anno successivo, prende parte, insieme a Piero Dorazio, Mimmo Rotella e Giuseppe Santomaso, alla mostra Italian Art: Four Contemporary Directions presso il Museum of Art di Fort Lauderdale, in Florida (USA). Nel 2002 riceve il Premio del Presidente della Repubblica e, in questa occasione, l’Accademia Nazionale di San Luca gli dedica una mostra retrospettiva nella sede di Palazzo Carpegna a Roma. Nel 2003 si tiene una mostra presso la Civica Galleria d’Arte Moderna di Gallarate e partecipa all’esposizione Futuro Italiano, ospitata nelle sale del Parlamento Europeo a Bruxelles. Tra il 2003 e il 2004 l’Institut Mathildenhöhe di Darmstadt allestisce una mostra personale dedicata al suo lavoro. Bonalumi muore a Desio il 18 settembre 2013.

Alexander Calder

Nato in una famiglia di artisti — il padre era scultore e la madre pittrice — Alexander Calder viene incoraggiato fin da giovane a coltivare la propria passione per l’arte e già da bambino dimostra un notevole talento nella manipolazione dei materiali. Nonostante ciò, inizialmente non intraprende una carriera artistica e decide di laurearsi in ingegneria. Dopo aver completato gli studi, durante uno dei numerosi lavori svolti, vive un’esperienza destinata a segnare profondamente la sua vita: mentre dorme sul ponte di una nave, assiste a un’alba straordinaria accompagnata da una luminosa luna piena, un’immagine che continuerà a ricordare per tutta la sua esistenza. Poco dopo, nel 1923, Calder si trasferisce a New York, dove inizia a frequentare l’Art Students League. Parallelamente viene assunto come disegnatore dal National Police Gazette e, proprio in questo ruolo, a partire dal 1925 segue alcuni circhi e ne progetta gli spettacoli, sviluppando un interesse per il mondo del circo che lo accompagnerà per tutta la vita.

Calder comprende presto che il ferro è il materiale più adatto alla sua ricerca artistica e inizia a utilizzarlo per ritrarre personaggi di spicco del suo tempo. Nel 1928 la sua fama come scultore e inventore è ormai consolidata e arrivano anche le prime mostre personali. In questi anni entra in contatto con numerosi artisti e intellettuali di rilievo e una visita allo studio dell’amico Piet Mondrian lo conduce a una breve fase di pittura astratta, presto abbandonata in favore di un ritorno alla scultura. Nel 1931 avviene la svolta decisiva della sua carriera, con la realizzazione della prima scultura cinetica, che inaugura un genere artistico completamente nuovo. Successivamente si dedica a sculture di grandi dimensioni, anticipando le future opere monumentali destinate agli spazi pubblici. La carenza di materiali dovuta alla Seconda guerra mondiale lo porta a lavorare sempre più con il legno, dando origine alla serie delle costellazioni, nelle quali elementi lignei intagliati vengono collegati tramite fili metallici. La sua carriera rimane segnata da successi e importanti collaborazioni fino alla fine. Alexander Calder muore per un attacco di cuore nel 1976.

ALIGHIERO BOETTI

Alighiero Boetti (Torino, 1940 – Roma, 1994) è stato uno dei principali protagonisti del gruppo dell’Arte Povera e uno degli artisti italiani più apprezzati della seconda metà del Novecento. Muove i primi passi nel mondo dell’arte all’inizio degli anni Sessanta, in giovanissima età, dopo aver abbandonato gli studi universitari per seguire le proprie passioni. Entra presto a far parte del movimento dell’Arte Povera e riesce successivamente a ottenere un importante riconoscimento internazionale nel momento di massima affermazione del gruppo. Boetti è stato un artista concettuale estremamente prolifico, capace di utilizzare tecniche molto diverse tra loro, comprese pratiche fortemente manuali come il ricamo e il collage. Ha inoltre realizzato numerose versioni dello stesso soggetto, producendo le opere in serie piuttosto ampie.

Un esempio emblematico di questo approccio è rappresentato dalle opere legate ai servizi postali, riprodotte più volte dall’artista per riflettere sul concetto di creazione meccanica continua. La concettualità alla base del lavoro di Boetti non segue un filone unico, ma nasce da un insieme eterogeneo di idee ideologiche che spaziano dal riutilizzo di materiali non convenzionali alla geopolitica, dal concetto di duplicazione all’autoriflessione, dalla cultura araba alla geometria. Di fondamentale importanza per la sua biografia e per il suo sviluppo artistico è stato il viaggio in Afghanistan, un Paese nel quale l’artista tornò periodicamente per lungo tempo, fino a quando gli eventi politici che portarono all’occupazione del territorio alla fine degli anni Settanta gli impedirono di farvi ritorno. Numerose mostre gli sono state dedicate, sia in vita sia postume, nei principali musei del mondo, e un vasto nucleo delle sue opere fa parte della collezione permanente del Museum of Modern Art (MoMA) di New York.

ANDRÉ VERDET

André Verdet è stato una delle figure di spicco della cultura e dell’arte francese del Novecento. Esponente della critica poetico-pittorica del XX secolo, interprete ed esteta del pensiero mediterraneo, è stato anche scrittore, poeta, musicista jazz e instancabile danzatore. Prestò servizio nelle truppe coloniali e pubblicò il suo primo libro nel 1939, Histoire des origines du pays de Saint-Paul, cui seguirono numerose raccolte poetiche. Nel 1941 incontrò il poeta Jacques Prévert, con il quale pubblicò successivamente quattro libri di poesie, e conobbe anche la giovane attrice Simone Signoret. Fortemente coinvolto nella lotta clandestina, durante la Resistenza divenne responsabile di una rete di controspionaggio e sabotaggio del movimento “Combat”. In più occasioni fu salvato dai tedeschi grazie all’intervento di Prévert, anch’egli impegnato nella Resistenza, che aiutò diversi amici a rischio della propria vita. Verdet venne arrestato e deportato ad Auschwitz e a Buchenwald. Rimpatriato nel 1945, pubblicò al suo ritorno L’Antologia delle poesie di Buchenwald.

Nel 1949 si stabilì definitivamente in Provenza. Artista poliedrico e curioso — pittore, fotografo, musicista e poeta — divenne l’artista ufficiale di Saint-Paul-de-Vence e frequentò assiduamente La Colombe d’Or, celebre luogo di ritrovo degli artisti della Costa Azzurra. Qui conobbe e divenne amico e confidente di numerosi pittori, tra cui Matisse, Chagall, Braque, Picasso, Hartung, César, Arman, Folon, Soutine, Dufy, Mario Tozzi e RAM (Ruggero Alfredo Michahelles), oltre a figure più giovani come Léger, Villon e Picabia e, in Italia, Brajo Fuso e Mario Borgna. Dai suoi racconti nacquero raffinati libri d’arte e numerosi saggi sulla pittura. Dopo aver pubblicato una serie quasi ininterrotta di raccolte poetiche e album, Verdet si dedicò anche alla pittura e alla scultura. Nel 1977, in seguito a un incontro con Bill Wyman, bassista dei Rolling Stones, e Jon Anderson, leader dei Yes, fondò il gruppo poetico-musicale Bételgeuse. Nel pieno della maturità artistica si avvicinò anche al mondo del vetro, realizzando interessanti opere scultoree. Nel corso della sua lunga carriera espose prevalentemente in gallerie e istituzioni pubbliche francesi e italiane.

ANDY WARHOL

Andy Warhol (Pittsburgh, 1928 – New York, 1987) è stato una figura emblematica dell’arte americana e il padre della Pop Art. Pittore, scultore, fotografo, regista e produttore musicale, ha profondamente trasformato l’idea stessa di artista, che per la prima volta diventa anche imprenditore. Timido e ossessionato dall’idea di essere brutto, Warhol era tuttavia dotato di straordinarie capacità comunicative e di un acuto spirito di osservazione, qualità che gli permisero di trasformare la propria vita e di costruire l’immagine di una “star” ancora prima di essere riconosciuto come artista. La sua vocazione artistica nasce durante l’infanzia quando, in seguito a una grave malattia, la madre gli fornisce il materiale necessario per disegnare. Inizia a lavorare a New York come grafico pubblicitario per riviste come Vogue, Harper’s Bazaar e Glamour. È proprio dal mondo della comunicazione pubblicitaria che approda all’arte, elaborando un linguaggio impersonale volto a creare una registrazione “oggettiva” della realtà. A questo scopo, e per avviare una produzione seriale delle proprie opere — la serialità è infatti uno dei tratti distintivi dell’arte di Warhol — l’artista utilizza tecniche di produzione industriale come la serigrafia su tela.

Warhol è noto anche per aver fondato la Factory, un luogo di incontro per artisti emergenti e celebrità dell’epoca, divenuto famoso anche per le sue feste d’avanguardia — tanto che si diceva che una festa senza Andy Warhol non fosse davvero una festa. Dietro questa immagine pubblica si celava però una personalità molto più timida ed elusiva. Da un lato vi era l’artista che indossava una maschera per mantenere una distanza dal mondo, dall’altro l’uomo con le sue fragilità. La caratteristica principale delle opere di Warhol, che lo ha reso celebre, è la serialità con cui ha raffigurato oggetti e persone divenuti icone dell’American way of life. L’artista si pone nei confronti della realtà come una macchina che la registra in modo freddo e impersonale, e la serigrafia è lo strumento ideale per ottenere questo effetto, poiché elimina la necessità del “tocco dell’artista”. Attraverso processi meccanici — che, secondo Warhol, non possono mentire — egli restituisce la meccanicità e la ripetizione della vita del Novecento. Warhol rappresenta un caso esemplare per comprendere ciò che accade negli anni Sessanta e, come affermava egli stesso, per farlo è sufficiente guardare la superficie delle sue opere. In realtà non si tratta di veri ritratti, ma della riproduzione di un’immagine pubblica, costruita e diffusa dai mass media per soddisfare l’adorazione collettiva. Ciò che interessava davvero Warhol era il modo in cui la comunicazione si trasformava; l’artista non assunse mai una posizione etica esplicita e i suoi pensieri privati restano sconosciuti, rendendolo una delle figure più ambigue della storia dell’arte. Come dichiarò in un’intervista, dipingeva “ciò che si vede ogni giorno”, ma anche ciò che una persona o un oggetto diventano quando si trasformano in oggetto di adorazione collettiva.

Superstudio

Superstudio è stato uno dei collettivi più influenti del movimento dell’Architettura Radicale. Fondato a Firenze nel 1966 da Adolfo Natalini e Cristiano Toraldo di Francia, insieme a Gian Piero Frassinelli, Roberto Magris, Alessandro Magris e Alessandro Poli, il gruppo ha messo in discussione i canoni tradizionali dell’architettura, promuovendo un approccio concettuale e visionario al progetto. Opere iconiche come Il Monumento Continuo e Le Dodici Città Ideali hanno offerto riflessioni critiche sulla standardizzazione, la globalizzazione e il concetto di utopia urbana. Attraverso collage, film, disegni e progetti teorici, Superstudio ha trasformato l’architettura in uno strumento di critica sociale, politica e culturale.

Sebbene il collettivo si sia sciolto nel 1978, la sua influenza è rimasta significativa nel tempo. I lavori di Superstudio sono stati esposti in importanti istituzioni internazionali, tra cui il Museum of Modern Art (MoMA) di New York, il Centre Pompidou di Parigi e il MAXXI di Roma. Le sue idee visionarie continuano a ispirare generazioni di architetti e designer, e Superstudio resta un simbolo fondamentale di innovazione e radicalità nell’architettura moderna.

Antoni Tàpies

Antoni Tàpies nasce a Barcellona nel 1923. È stato pittore, scultore e teorico dell’arte spagnolo, nonché uno dei più significativi esponenti del movimento artistico catalano vicino alle ricerche dell’Informale internazionale. Dopo essersi iscritto alla Facoltà di Giurisprudenza dell’Università di Barcellona, abbandona gli studi per dedicarsi interamente all’arte come autodidatta. Sebbene le sue prime opere mostrino influenze surrealiste, Tàpies si orienta rapidamente verso una ricerca informale, utilizzando materiali di recupero o non convenzionali come corde, carta, polvere di marmo e residui quotidiani. Nel 1948 espone per la prima volta al Primo Salone d’Ottobre di Barcellona. Grazie a una borsa di studio dell’Institut Français si trasferisce a Parigi, dove incontra Pablo Picasso. Nel 1950 viene selezionato per rappresentare la Spagna alla Biennale di Venezia, alla quale sarà nuovamente invitato negli anni successivi. Nel 1960 partecipa alla mostra New Spanish Painting and Sculpture al MoMA di New York. Tàpies sviluppa un linguaggio astratto fortemente simbolico, attribuendo un ruolo centrale alla materia, che nelle sue opere trascende la propria condizione fisica per raccontare una profonda analisi della condizione umana.

Negli anni Settanta il suo lavoro assume una valenza politica più marcata, legata alla rivendicazione dell’identità catalana e all’opposizione al regime franchista, spesso espressa attraverso parole e segni tracciati sulla superficie pittorica. Dal 1990 la Fundació Antoni Tàpies di Barcellona è aperta al pubblico, come luogo dedicato all’arte contemporanea e custode di un importante nucleo di opere dell’artista. Nel corso della sua carriera, Tàpies ha ricevuto numerosi riconoscimenti prestigiosi ed esposto nei più importanti musei del mondo. La materia, al centro della sua ricerca, diventa per Tàpies un potente mezzo di espressione della realtà, del peso dell’esistenza e dell’esperienza vissuta, i cui frammenti riaffiorano all’interno dell’opera.

ARMAND PIERRE FERNANDEZ

Arman, pseudonimo di Armand Pierre Fernandez, nasce a Nizza il 17 novembre 1928. Studia filosofia e matematica, si iscrive nel 1946 all’École Nationale des Arts Décoratifs di Nizza e nel 1949 si trasferisce a Parigi per studiare archeologia e arte orientale all’École du Louvre. Tornato a Nizza nel 1953, inizia a lavorare in ambito astratto e collabora con Yves Klein. L’anno successivo rimane colpito dalle opere di Kurt Schwitters esposte a Parigi e, utilizzando timbri da ufficio, realizza i suoi primi Cachets, esposti nel 1956 in occasione della sua prima mostra personale alla Galerie du Haut-Pavé di Parigi. Nel 1958, a seguito di un errore tipografico sulla copertina di un catalogo, decide di eliminare la “d” finale del cognome, adottando definitivamente il nome Arman. Nello stesso anno realizza le Allures d’objets, impronte su carta ottenute immergendo oggetti nella pittura a olio, seguite nel 1959 dalle prime sculture: le Accumulations, accumuli di oggetti quotidiani identici, e le Poubelles, assemblaggi di materiali di scarto racchiusi in contenitori trasparenti. Nel 1960 firma il manifesto del Nouveau Réalisme e partecipa alle attività del gruppo. L’anno seguente si reca per la prima volta a New York, dove tiene una mostra personale alla Cordier-Warren Gallery e partecipa alla mostra The Art of Assemblage al MoMA.

Negli anni Sessanta Arman prosegue la sua ricerca artistica realizzando serie come le Coupes, oggetti tagliati o segati; le Colères, oggetti rotti o danneggiati con violenza; le Combustions, opere ottenute tramite la combustione dei materiali; e le Inclusions, accumulazioni di oggetti immersi in resina poliestere trasparente. Espone allo Stedelijk Museum di Amsterdam nel 1964 e alla Biennale di Venezia nel 1968. Negli anni Settanta realizza grandi accumulazioni utilizzando cemento e parti di automobili fornite dalla casa automobilistica Renault. Nei due decenni successivi sperimenta tecniche e materiali diversi, dando vita a importanti commissioni pubbliche come il monumento in bronzo À la République (1984), per il Palais de l’Élysée a Parigi, e il monumentale Espoir de Paix (1995) a Beirut, un accumulo di carri armati e cemento. Alla fine degli anni Novanta Arman radicalizza ulteriormente la propria ricerca, affiancando alla produzione scultorea grandi incisioni e disegni e collaborando con poeti e scrittori. Numerose mostre gli sono state dedicate fino alla sua morte, avvenuta a New York il 22 ottobre 2005.

ARNALDO POMODORO

Arnaldo Pomodoro nasce nel Montefeltro nel 1926 e trascorre l’infanzia e il periodo di formazione a Pesaro. Dal 1954 vive e lavora a Milano. Le opere degli anni Cinquanta sono prevalentemente altorilievi nei quali emerge una singolare “scrittura”, inedita nella scultura, interpretata in modi diversi dai maggiori critici. All’inizio degli anni Sessanta Pomodoro affronta pienamente la tridimensionalità e sviluppa una ricerca sulle forme della geometria solida. Sfere, dischi, piramidi, coni, colonne e cubi — realizzati in bronzo lucidato — vengono lacerati, corrosi e scavati in profondità, con l’intento di spezzarne la perfezione apparente e di svelarne il mistero interno. Da questo momento in poi, il contrasto formale tra la superficie liscia e perfetta della forma geometrica e la complessità caotica dell’interno diventa una costante della produzione di Pomodoro. Nel 1966 gli viene commissionata una sfera di tre metri e mezzo di diametro per l’Expo di Montréal, oggi collocata a Roma davanti alla Farnesina.

Questo segna il passaggio alle grandi dimensioni e l’inizio di una lunga serie di opere destinate a spazi pubblici di grande valore simbolico e scenografico. Le sculture di Pomodoro sono presenti nelle piazze di numerose città — tra cui Milano, Copenaghen, Brisbane, Los Angeles e Darmstadt — davanti al Trinity College dell’Università di Dublino, al Mills College in California, nel Cortile della Pigna dei Musei Vaticani, di fronte alla sede delle Nazioni Unite a New York, presso il quartier generale dell’UNESCO a Parigi e in importanti parchi di scultura come il Pepsi Cola Sculpture Park di Purchase e lo Storm King Art Center di Mountainville, vicino a New York. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti di rilievo, tra cui i Premi per la Scultura alla Biennale di San Paolo (1963) e alla Biennale di Venezia (1964), il Praemium Imperiale per la Scultura conferito dalla Japan Art Association nel 1990 e il Lifetime Achievement in Contemporary Sculpture Award dell’International Sculpture Center di San Francisco nel 2008. Nel 1992 il Trinity College dell’Università di Dublino gli ha conferito la laurea honoris causa in Lettere e nel 2001 l’Università di Ancona quella in Ingegneria Edile e Architettura.

César Baldaccini

César Baldaccini nasce a Marsiglia il 1° gennaio 1921 da genitori italiani. Studia all’École des Beaux-Arts di Marsiglia dal 1935 al 1939 e successivamente all’École des Beaux-Arts di Parigi. Nel 1943 si stabilisce definitivamente a Parigi, trasferendosi in uno studio situato sopra quello di Alberto Giacometti, dove entra in contatto con importanti figure della cultura del tempo come Jean Cocteau, Pablo Picasso e Jean-Paul Sartre. Nel 1952 inizia a realizzare sculture saldando tra loro rottami di ferro, affermandosi per le sue opere monumentali raffiguranti insetti, animali, nudi e altri soggetti. La sua prima grande mostra personale si tiene nel 1955 al Salon de Mai di Parigi e ottiene un successo immediato, con la vendita di tutte le opere esposte in breve tempo. Questo risultato gli vale l’invito a partecipare alla Biennale di Venezia del 1957. Nel 1960 realizza la sua prima Compressione, ottenuta comprimendo meccanicamente automobili dismesse fino a ridurle in blocchi compatti.

Nello stesso anno César aderisce al gruppo dei Nouveaux Réalistes, insieme ad artisti come Arman, Yves Klein, Martial Raysse, Jean Tinguely e Pierre Restany. A partire dal 1965 inizia a sperimentare materiali plastici, dapprima realizzando calchi di impronte umane e, dal 1966, utilizzando poliuretano espanso, lasciato crescere e solidificare autonomamente. Già nel 1966 abbandona definitivamente la scultura in metallo saldato per dedicarsi alle plastiche espandibili. Tra il 1967 e il 1970 organizza una serie di eventi durante i quali realizza le Espansioni in presenza del pubblico. Tra le sue opere più tarde figurano anche sculture in cristallo fuso. Nel 1982 importanti retrospettive della sua opera vengono organizzate dal Musée d’Art Moderne di Liegi, dall’Espace Niçois d’Art et de Culture di Nizza, dalla Seibu Foundation e dall’Ottara Museum in Giappone. Nel 1995 partecipa nuovamente alla Biennale di Venezia. César muore a Parigi il 6 dicembre 1998.

Claudio Parmiggiani

Tra i maggiori protagonisti della scena artistica internazionale, Claudio Parmiggiani è un artista raro. Il suo "esilio" volontario dalla scena artistica italiana e il suo ostinato silenzio per oltre quarant'anni rappresentano, nel mondo artistico di oggi, una posizione di radicalità quasi unica. In un contesto in cui la confusione dei valori è la regola, la sua presenza è diventata morale e il suo silenzio una forma di autorità critica. Volutamente distante dall'"attualità" dell'arte contemporanea, lontano da gruppi o movimenti, Parmiggiani ha saputo sviluppare un linguaggio innovativo, personale e allo stesso tempo profondamente universale. I suoi materiali sono polvere e cenere, fuoco e aria, ombra e colore, luce e pietra, vetro e acciaio, sangue e marmo. Assemblando frammenti di mondo - campane, farfalle, libri, barche, stelle e statue - dà vita a immagini insolite che, nella loro tragica bellezza, sembrano stranamente familiari.

EMILIO SCANAVINO

Emilio Scanavino nasce a Genova il 28 febbraio 1922. Si diploma al liceo artistico e, al termine della Seconda guerra mondiale, inizia a lavorare per il Comune di Genova come disegnatore tecnico fino al 1950, quando, dopo il successo ottenuto alla XXV Biennale di Venezia, decide di dedicarsi esclusivamente alla propria attività artistica. Nelle opere giovanili è evidente una matrice espressionista, che si attenua dopo il soggiorno parigino del 1947. La pittura di questo periodo presenta numerose affinità con il linguaggio post-cubista. Dopo un soggiorno a Londra nel 1951, l’artista si orienta verso una composizione più geometrica e meno figurativa. Tipici di questa fase sono i soggetti legati alla vita religiosa, frutto della riflessione sulla profonda fede cattolica della madre e sulla teosofia del padre, che lo avevano sempre influenzato. In questi anni Scanavino entra in contatto con i principali esponenti dello Spazialismo, come Fontana, Dova e Crippa; del Movimento Nucleare, come Baj e Dangelo; e del gruppo CoBrA, come Corneille e Jorn.

Emilio Tadini

Emilio Tadini nasce a Milano il 5 giugno 1927. La sua carriera artistica si sviluppa su più livelli e può essere considerato a tutti gli effetti un intellettuale a tutto tondo: oltre al successo e al riconoscimento ottenuti come pittore, è stato anche poeta, giornalista e saggista. Lo stile pittorico di Tadini risente dell’influenza della Pop Art inglese e del primo Surrealismo di Salvador Dalí e Giorgio de Chirico, dando vita a opere sospese a metà tra il mondo del sogno e quello della realtà. L’immaginario e le figure dei suoi dipinti comprendono personaggi storici, filosofi, artisti del circo e figure fiabesche, trasfigurate dalla sua fantasia attraverso l’uso di colori vivaci e brillanti. Nel 2001 la città di Milano gli ha reso omaggio con la mostra antologica Emilio Tadini: Opere 1959–2000, allestita a Palazzo Reale. Nel corso della sua lunga e brillante carriera, Tadini ha esposto le proprie opere nei più importanti musei d’arte italiani e in rilevanti mostre internazionali. È stato invitato due volte alla Biennale d’Arte di Venezia, nelle edizioni del 1978 e del 1982. Dal 1997 al 2000 è stato presidente dell’Accademia di Belle Arti di Brera. Muore a Milano nel 2002.

ENRICO BAJ

Enrico Baj nasce a Milano il 31 ottobre 1924. Dopo aver completato gli studi all’Accademia di Brera, nel 1951 promuove, insieme a Sergio Dangelo e Gianni Dova, il Movimento dell’Arte Nucleare e tiene la sua prima mostra personale nella città natale, presso la Galleria San Fedele. Nel 1953 incontra Asger Jorn, con il quale fonda il Movimento Internazionale per una Bauhaus Immaginista, prendendo posizione contro la forzata razionalizzazione e geometrizzazione dell’arte. L’anno successivo organizza gli Incontri Internazionali della Ceramica ad Albisola, in Liguria. Nella sua ricerca artistica, espressa attraverso collage polimerici e policromatici, si distinguono da un lato una componente ludica, in cui prevale il piacere di dipingere con materiali di ogni genere, e dall’altro un forte impegno civile e una critica della contemporaneità, evidenti nei Generali e nelle Parate Militari degli anni Sessanta e, ancor più, nelle opere degli anni Settanta come I funerali dell’anarchico Pinelli (1972) e Apocalisse (1979).

Negli anni Ottanta, abbandonando temporaneamente il collage, realizza la serie Metamorfosi e Metafore (1988), nella quale sviluppa una figurazione legata all’immaginario e al fantastico. Nel 1993 avvia il ciclo delle Maschere Tribali, assemblaggi realizzati con scarti della civiltà moderna per creare maschere ironiche e colorate, seguiti dai Feltri (1993–1998) e dai Totem (1997). Numerosi sono i rapporti dell’artista con poeti e letterati italiani e stranieri, che danno origine a collaborazioni e alla realizzazione di libri d’artista accompagnati da stampe originali o multipli. Nel 1999 Baj riafferma il suo forte legame con la letteratura realizzando una serie di 164 ritratti ispirati ai Guermantes di Marcel Proust. Sono inoltre numerose le collaborazioni con altri artisti, tra cui Lucio Fontana e Piero Manzoni. Nel 2001 avvia un ciclo di opere dedicate alle storie di Gilgamesh, re dei Sumeri. Baj muore a Vergiate (Varese) il 16 giugno 2003.

ENZO FACCIOLO

Enzo Facciolo (Milano, 2 ottobre 1931) è un fumettista e illustratore italiano. Dopo aver frequentato la Scuola d’Arte del Castello Sforzesco, fonda uno studio di animazione pur avendo praticamente nessuna esperienza nel settore e, poco dopo, nel 1954, inizia a collaborare con i fratelli Pagot e la Pagot Film, realizzando spot pubblicitari e cortometraggi. Nel 1959 debutta nel fumetto scrivendo e disegnando la serie Clint Due Colpi per le Edizioni Domai. Il suo nome è legato al personaggio di Diabolik dal 1963, quando, grazie all’esperienza maturata nel campo dell’animazione, avvia la collaborazione professionale con la casa editrice Astorina e con le sorelle Giussani, con il compito di uniformare il disegno della serie. Nello stesso anno, su richiesta delle autrici, ridefinisce la caratterizzazione grafica dei personaggi principali rispetto alle versioni precedenti. Sempre su indicazione delle sorelle Giussani, si ispira all’attore Robert Taylor per migliorare la resa grafica del protagonista, creando l’aspetto iconico di Diabolik, definendone movimenti tipici, espressioni facciali, costume e la caratteristica maschera in sostituzione del cappuccio informe degli esordi; questa caratterizzazione diventa il punto di riferimento per altri disegnatori.

Facciolo definisce anche i personaggi secondari, come l’ispettore Ginko, Eva Kant e Altea di Vallemberg; per quest’ultima si ispira alla modella francese Capucine, molto celebre all’epoca. Per la serie realizza sia le storie sia le copertine. Nel corso della sua lunga collaborazione con la testata, cura sia le matite sia le chine, realizzando oltre duecento episodi. Nel 1979, per dedicarsi alla grafica pubblicitaria, interrompe la collaborazione con la casa editrice Astorina e si trasferisce a New York, dove diventa socio di un’agenzia pubblicitaria e apre una sede italiana, inizialmente denominata Ronne Bonder Studio, poi divenuta Half. Negli anni successivi lavora per agenzie pubblicitarie italiane, realizzando campagne come grafico per Ferrarelle, Collistar, Alitalia, Fernet Branca e molte altre. Rientra in Astorina nel 1998 e ancora oggi disegna molte storie del Re del Terrore. Dal 2009 collabora con la galleria d’arte Spazio Papel, realizzando immagini inedite di Diabolik ed Eva Kant. Ogni anno viene organizzata una mostra personale di disegni originali ed Edizioni Papel realizza una cartella di immagini con l’autorizzazione della casa editrice Astorina.

FAUSTO MELOTTI

Fausto Melotti (Rovereto, 1901 – Milano, 1986) è stato un artista poliedrico e molto prolifico ed è quasi impossibile ricondurre la sua produzione a una tecnica o a un tema specifico senza fornire una visione solo parziale della sua poetica. Le caratteristiche salienti e costanti del lavoro di Melotti sono la geometria, lo studio dell’astrazione — che lo porta a utilizzare elementi realistici ma non scientificamente accurati — e la disposizione delle forme secondo un ritmo che richiama quello musicale, elemento riconducibile alla sua formazione di musicista. Le sculture per cui è maggiormente conosciuto sono composte da elementi geometrici realizzati in metalli come ottone, ferro e oro, lavorati in sottili filamenti che danno vita a composizioni eteree, leggere e quasi fragili. Diverse sue opere sono collocate all’esterno di musei e edifici di rilievo, tra cui il MART – Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto, la GAM – Galleria d’Arte Moderna di Torino e la Fondazione Pirelli HangarBicocca di Milano.

FRANÇOIS MORELLET

Nato il 30 aprile 1926, François Morellet è considerato uno dei principali precursori del Minimalismo in Europa e uno dei maggiori maestri dell’astrazione geometrica. Nel 1937 la famiglia si trasferisce a Parigi. Morellet inizia a dipingere in senso compiuto nel 1946, ma è negli anni Cinquanta, sotto l’influenza del Neoplasticismo di Mondrian e Van Doesburg, che procede verso una radicale riduzione formale e cromatica, in un equilibrio tra caso e ragione. Morellet concepisce la pittura come capace di esprimersi attraverso un linguaggio semplice e geometrico, costruito su forme elementari; predilige quindi quadrati, triangoli e linee, utilizzando una gamma cromatica limitata. La svolta avviene nel 1951 grazie ad alcuni viaggi, il primo a San Paolo del Brasile, dove incontra l’artista Max Bill, e successivamente in Spagna, dove ammira l’Alhambra di Granada, complesso architettonico di origine islamica che lo affascina profondamente sia per la struttura architettonica sia per il rigore geometrico. Da questo momento la sua ricerca si orienta definitivamente verso l’astrazione e il geometrismo. Tra il 1960 e il 1970 realizza le cosiddette Distribuzioni Casuali e le Ripartizioni Aleatorie e inizia a creare i primi “telai”, ovvero reti di linee parallele sovrapposte secondo un ordine preciso. Determinato a individuare nuovi mezzi espressivi, Morellet comincia inoltre a utilizzare il neon nelle sue opere. Nel 1972 partecipa alla Biennale di Venezia e avvia una serie di mostre retrospettive in tutta Europa, fino a esporre anche negli Stati Uniti a partire dal 1980.

Negli anni successivi realizza numerose mostre, tra cui quelle al Kunstmuseum di Bochum e Düsseldorf nel 1972 e, cinque anni dopo, alla Nationalgalerie di Berlino e al Musée d’Art Moderne di Parigi. Tra il 1970 e il 1980 fonda e sviluppa il gruppo GRAV (Groupe de Recherche d’Art Visuel), con l’obiettivo di creare un’arte sperimentale basata sulla conoscenza scientifica della percezione visiva. Si apre così una nuova fase, caratterizzata da una forte interazione tra l’opera e lo spazio circostante. Tra gli anni Ottanta e Novanta realizza diverse serie, tra cui Disfigurazioni, Declinazioni del Pi Greco e Geometrie. Espone nel 1984 all’Albright-Knox Art Gallery di Buffalo, al Musée d’Art Contemporain di Montréal e al Brooklyn Museum di New York, seguite due anni dopo dalle mostre al Centre Georges Pompidou e allo Stedelijk Museum di Amsterdam. Tra le sue installazioni permanenti si ricordano quelle nella città di Grenoble (1988), al Musée des Beaux-Arts di Grenoble (1991), al Kunstmuseum di Bonn (1997), nel Tunnel di Ginevra (1998), presso l’edificio Daimler-Chrysler a Potsdamer Platz a Berlino progettato da Renzo Piano, nell’edificio della Obayashi Corporation a Tokyo e alla Bahnhof Ost di Basilea nel 1999. Negli anni Duemila espone alla Galerie Nationale du Jeu de Paume di Parigi, al Museum Würth di Künzelsau e all’Haus für Konstruktiv di Zurigo. Una delle sue ultime opere risale al 2010, The Spirit of Stairs, commissionata dal Louvre.

GIORGIO DE CHIRICO

Giorgio de Chirico nasce in Grecia, a Volos, nella regione della Tessaglia. Tuttavia, la città alla quale probabilmente rimase più legato fu Ferrara, dove l’artista si trasferì dopo lo scoppio della Prima guerra mondiale. Con l’intento di rinnovare l’arte italiana aprendola alle esperienze che si stavano formando nell’Europa dei primi del Novecento, molti artisti italiani tra la fine dell’Ottocento e l’inizio del secolo successivo scelsero di lasciare temporaneamente l’Italia per cercare nuovi stimoli altrove. Tra questi artisti “cosmopoliti” si annovera anche Giorgio de Chirico (Volos, 1888 – Roma, 1978), che soggiornò a Parigi tra il 1911 e il 1915, proprio nel momento in cui la capitale francese era il centro dell’arte europea. De Chirico era inoltre profondamente legato alla cultura mediterranea, acquisita attraverso la nascita e i lunghi anni trascorsi in Grecia, e durante il soggiorno a Monaco entrò anche in contatto con l’arte tedesca. Da queste esperienze maturò l’esigenza di sviluppare un nuovo linguaggio espressivo, tra i più originali e al tempo stesso più enigmatici del Novecento. De Chirico è considerato il padre della pittura metafisica, nata come reazione alle avanguardie cubista e futurista e configuratasi come una delle esperienze più innovative della prima parte del secolo. Oggi è noto soprattutto per le opere realizzate nella fase iniziale della sua carriera: sebbene sia stato un artista longevo, vissuto fino a novant’anni, sono principalmente le opere degli anni Dieci, Venti e Trenta a essere entrate nell’immaginario collettivo.

Opere che appaiono sospese, attraversate da visioni in cui si muovono simboli misteriosi e personaggi sfuggenti, immagini oniriche e allegorie complesse, leggibili solo tenendo conto della cultura composita ed eterogenea che ha nutrito l’immaginario di Giorgio de Chirico. L’artista fu inoltre sempre vicino agli ambienti letterari del suo tempo, e grandi figure della letteratura come Guillaume Apollinaire e Jean Cocteau lo tennero in alta considerazione. Soprannominato Pictor Optimus per la sua tecnica cristallina — il riferimento latino è anche un omaggio alla sua profonda cultura classica, acquisita grazie alla formazione in Grecia — Giorgio de Chirico è stato un artista che ha attraversato l’intero Novecento, vivendo fasi differenti: un esordio sotto il segno della cultura tedesca con opere di matrice böckliniana, la prima stagione metafisica degli anni Dieci, gli anni Venti con le opere del periodo “classico”, quindi una seconda stagione metafisica tra gli anni Venti e Trenta in coincidenza con il secondo soggiorno parigino, per giungere ai temi della tradizione affrontati fino agli anni Cinquanta e concludere la carriera con un ritorno alla metafisica, tanto da parlare di “neo-metafisica”. Come si legge nell’introduzione alla mostra che Palazzo Blu di Pisa gli ha dedicato dal 7 novembre 2020 al 9 maggio 2021, De Chirico “immagina vedute di città antiche che si sovrappongono a visioni di città moderne tratte dai luoghi della vita vissuta — prima Volos e Atene, poi Monaco, Milano, Firenze, Torino, Parigi, Ferrara, New York, Venezia, Roma. Si tratta di spazi in cui il luogo pubblico, disabitato dall’uomo, è popolato da oggetti (frammenti, rovine, archi, porticati, angoli di strada, muri, edifici, torri, ciminiere, treni, statue e manichini) che, estraniati dal loro contesto abituale, emergono con tutta la loro forza iconica, diventando irreali, misteriosi ed enigmatici.

GIULIO PAOLINI

Nato a Genova nel 1940, Giulio Paolini è uno degli artisti italiani più noti e affermati a livello internazionale. La sua ricerca, ascrivibile all’arte concettuale, è sempre stata caratterizzata da una riflessione sui complessi rapporti tra opera e spettatore, in un raffinato gioco di rimandi ricco di citazioni. L’analisi dell’atto del vedere e dell’osservare suggerisce la creazione di una struttura linguistica tra artista e osservatore, che si ricrea ogni volta che quest’ultimo si pone di fronte all’opera d’arte. Giulio Paolini parla attraverso le sue opere: riflette, narra e analizza se stesso sulle pareti, si intravede nelle prospettive dei suoi dipinti, si rispecchia negli allestimenti delle sue installazioni, vive nelle allusioni delle sue citazioni e si definisce senza contraddizioni nell’intero corpus della sua produzione. Fin dagli esordi, la sua indagine è rivolta alla struttura della visione e la sua ricerca si orienta verso l’analisi dei fondamenti costitutivi della creazione artistica. Le opere in collezione tracciano un percorso nel suo linguaggio espressivo che, pur non avendo carattere esaustivo, si propone come interpretazione dei campi problematici aperti dalle sue riflessioni e individua nell’identità assoluta tra autore e opera il fondamento del suo magistero artistico.

GIUSEPPE CHIARI

Nato a Firenze nel 1926, Giuseppe Chiari divide il proprio tempo tra gli studi universitari di matematica e ingegneria e lo studio del pianoforte e della musica. Affascinato dalla ricerca del compositore e teorico musicale John Cage, si dedica alla sperimentazione musicale. Di grande importanza per l’artista è il confronto con la ricerca della poesia visiva, in particolare con il “Gruppo 70”, e con le sperimentazioni del movimento artistico internazionale Fluxus, fondato dal critico e musicologo George Maciunas. Le sue composizioni musicali prevedono l’uso di strumenti tradizionali affiancati da oggetti estranei al mondo della musica, come pietre e acqua, e si basano sull’inserimento di brevi frammenti all’interno di composizioni più ampie, senza un ordine prestabilito. Le composizioni visive, invece, comprendono partiture modificate attraverso l’inserimento di segni grafici o di elementi estranei al pentagramma, come fotografie o fogli scritti.

JOAN MIRÓ

Joan Miró nasce a Barcellona il 20 aprile 1893. Il padre era un orologiaio e la madre figlia di un ebanista originario di Maiorca. La sua predisposizione artistica si manifesta fin dall’infanzia, anche grazie all’influenza dell’ambiente familiare. Tiene la sua prima mostra personale nel 1918 alle Galeries Dalmau. Nel 1920 si trasferisce a Parigi, dove entra in contatto con il circolo artistico dei pittori di Montmartre, di cui facevano parte Pablo Picasso e il dadaista Tristan Tzara. Nel 1923, con il dipinto La terra arata a Montroig, avvia il suo definitivo avvicinamento al Surrealismo. Attraverso Pablo Picasso e Pierre Reverdy entra in contatto con il movimento surrealista, in particolare con André Masson. In questo periodo Miró vive tra Parigi e la fattoria di Montroig e, su suggerimento di André Breton, considerato il padre del Surrealismo, sviluppa una pittura priva di effetti prospettici, caratterizzata da forme libere e fluttuanti. Inizia inoltre a inserire titoli direttamente nei dipinti, come nel celebre Nudo del 1926. Nello stesso anno collabora con Max Ernst alla realizzazione di scene e costumi per Romeo e Giulietta. Nel 1928 la sua ricerca, in continua evoluzione, lo porta a reinterpretare le opere dei grandi pittori del Cinquecento utilizzando anche elementi della comunicazione pubblicitaria, mentre parallelamente realizza opere di decostruzione attraverso il collage. Nel 1927 realizza il suo primo quadro-poesia, caratterizzato dall’iscrizione diretta di frasi poetiche sulla tela. In questo periodo trascorre gli inverni a Parigi e le estati nella fattoria di Montroig.

Durante il periodo surrealista (1924–1930) Miró matura la convinzione del ruolo sociale dell’arte e della sua capacità di raggiungere le masse; per questo, sfruttando l’ironia e un acuto senso dell’umorismo, realizza opere in cui applica iscrizioni poetiche direttamente sulla superficie pittorica. A questo periodo risale il celebre dipinto Il carnevale di Arlecchino. Nel 1929 sposa Pilar Juncosa a Palma di Maiorca, dalla quale avrà una figlia, Maria Dolores. Negli stessi anni prosegue la sperimentazione realizzando litografie, incisioni e sculture. Lo scoppio della guerra civile spagnola lo colpisce profondamente e lo spinge a sostenere i compatrioti raccogliendo fondi a favore della Repubblica. Nel 1937 realizza anche un grande murale per il Padiglione spagnolo dell’Esposizione Internazionale di Parigi, con l’intento di richiamare l’attenzione sulla situazione della Spagna. Nel 1954 vince il premio per la grafica alla Biennale di Venezia e nel 1958 il Guggenheim International Prize. All’inizio degli anni Sessanta subisce una forte influenza della pittura americana, che lo conduce verso un’astrazione sempre più marcata e un uso dominante del colore puro. Nel 1972 fonda a Barcellona la Fundació Joan Miró, dedicandosi parallelamente alla scenografia e alla scultura. Nell’ultima fase della sua vita si dedica intensamente anche alla ceramica, realizzando due opere per la sede dell’UNESCO a Parigi: Il muro della Luna e Il muro del Sole. Con l’avanzare dell’età, le sue idee artistiche diventano sempre più radicali, fino a sperimentare la scultura a gas e la pittura a quattro dimensioni. Joan Miró muore a Palma di Maiorca il 25 dicembre 1983, all’età di novant’anni.

KEIZO MORISHITA

Keizo Morishita (Kitakyushu, Giappone, 4 febbraio 1944 – Milano, 5 aprile 2003) è stato un pittore giapponese attivo in Italia. Giapponese di nascita e milanese d’adozione, grazie a una borsa di studio si trasferisce a Milano nel 1963, all’età di diciannove anni, per studiare all’Accademia di Brera, dove si diploma nel 1968 sotto la guida di Marino Marini e dove vive per il resto della sua vita fino alla morte, avvenuta nel 2003. Sebbene Morishita si sia formato come scultore, il suo mezzo espressivo privilegiato è sempre stato la pittura. La sua identità culturale mista, volta a preservare le proprie origini ma unita a una grande curiosità intellettuale, lo ha spinto a esplorare strategie e procedure differenti rispetto a quelle della maggior parte dei suoi compagni di studio e lo ha condotto oltre l’ambito nel quale aveva già ottenuto un importante e consolidato riconoscimento critico. All’inizio degli anni Sessanta Morishita entra in contatto diretto con la scena artistica d’avanguardia milanese, ancora fortemente legata allo Spazialismo. Le sue opere sono caratterizzate da geometrizzazioni oniriche e fiabesche, sempre più accentuate con il passare degli anni, in contrasto con il gusto più morbido diffuso in quegli anni dall’arte povera e informale.

Da un lato, tutto ciò rimanda all’esigenza di ordine e rigore tipica della cultura giapponese (e spesso le geometrie di Morishita evocano anche vedute e paesaggi del Giappone); dall’altro, sembra derivare dall’impatto sull’artista di alcuni aspetti della cultura occidentale, in particolare Max Ernst, Paul Klee e il Surrealismo. Oltre che pittore, Morishita è stato anche un apprezzato ceramista, realizzando, tra l’altro, vasi e pannelli di gusto astratto per le manifatture Studio Ernan di Albisola Superiore e San Giorgio di Albissola Marina. La sua prima mostra si tiene a Padova nel 1967 presso la Galleria La Chiocciola. L’antologica ritenuta più rappresentativa viene allestita alla Galleria del Naviglio di Milano nel 2000. Tra le mostre postume si ricorda quella del 2006 presso lo Studio F.22 di Palazzolo sull’Oglio, la galleria con cui Morishita aveva collaborato fin dagli anni Ottanta. Numerosi critici e curatori hanno scritto sul suo lavoro, tra cui Franco Russoli, Roberto Sanesi, Emilio Tadini, Valerio Adami, Ottavio Missoni, Milena Milani, Carlo Franza, Luigi Carluccio, Renzo Margonari, Walter Schönenberger, Taijin Tendo, Keiko Asako, Tani Arata e Rolly Marchi.

VIRGILIO GUIDI

Virgilio Guidi (1891–1984) si afferma fin dagli esordi come uno dei principali pittori del suo tempo grazie alla sua erudizione iconografica, dimostrando al contempo una consapevole oscillazione tra le molteplici influenze della ricerca volumetrica del Novecento, della Nuova Oggettività e del Realismo Magico. Le sue opere si costruiscono su un repertorio di immagini familiari e ipnotiche, caratterizzate da un colore denso e luminoso e da forme addolcite. Luce, forma e colore si affermano progressivamente come il trinòmio fondamentale della sua produzione. In generale, la pittura di Guidi è contraddistinta da una serie di cicli tematico-compositivi, come le rappresentazioni di paesaggi marini astratti o di architetture cosmiche, spesso frutto delle impressioni maturate durante i suoi viaggi. I soggetti del bacino di San Marco e dei canali veneziani non vengono mai abbandonati; tuttavia, nel corso degli anni si osserva un progressivo schiarimento della tavolozza, che conduce all’evaporazione delle figure e alla scomparsa delle ombre.

LUCIANO FABRO

Luciano Fabro (Torino, 20 novembre 1936 – Milano, 22 giugno 2007), dopo un’infanzia trascorsa in Friuli e il completamento degli studi classici, si trasferisce a Milano nel 1959, città nella quale vivrà per il resto della sua vita. Fin dagli esordi entra in contatto con alcuni tra gli artisti più significativi attivi in città, tra cui Lucio Fontana, Piero Manzoni, Dadamaino ed Enrico Castellani. La sua prima mostra personale si tiene nel 1965 presso la Galleria Vismara, dove espone opere realizzate con vetro, specchi e metallo, volte a instaurare relazioni aperte con il visitatore. Nel 1967 partecipa alla mostra Arte Povera Im Spazio, curata da Germano Celant presso la Galleria La Bertesca di Genova. Da quel momento prende parte a tutte le esposizioni del gruppo dell’Arte Povera ed è considerato uno dei fondatori del movimento. Nel corso della sua carriera si esprime attraverso le forme e i materiali più diversi. Attivo anche in ambito accademico, Fabro è autore di numerosi testi che documentano il suo impegno nel dibattito culturale. Fin dagli inizi, la sua riflessione artistica è caratterizzata da una costante indagine sulle specificità linguistiche della scultura, esplorate attraverso materiali tradizionali come il marmo e il ferro, oppure innovativi come il vetro e la seta, e volutamente liberate da vincoli legati alla rappresentazione o al contenuto.

LUCIO DEL PEZZO

Lucio Del Pezzo nasce nel 1933 a Napoli, dove si forma presso l’Accademia di Belle Arti e l’Istituto d’Arte Applicata. Nel 1958 partecipa alla fondazione del Gruppo 58, di matrice neo-surrealista e neo-dada, insieme ad artisti quali Guido Biasi, Bruno Di Bello, Sergio Fergola, Luca (Luigi Castellano) e Mario Persico. La storia del gruppo è strettamente legata al Manifesto Nucleare del 1952, redatto a Milano da Enrico Baj e Sergio Dangelo, che Gruppo 58 decide di seguire, promuovendo un’arte capace di recuperare la tradizione iconologica locale rompendo al contempo gli schemi figurativi tradizionali. Sotto la guida di Luca, Gruppo 58 si dota della rivista Documento Sud come strumento di diffusione della propria attività ed espone a Napoli, Firenze, Roma e Milano.

Del Pezzo inizia a sviluppare un proprio linguaggio artistico attraverso oggetti-dipinto e assemblaggi nei quali un tono ludico si contrappone a una dimensione mistica, insieme a un’attenta ricerca sui rapporti cromatici e formali. Il collage tra objet trouvé e stampe di origine popolare conferisce alle sue opere un valore simultaneo di pittura e scultura: nel suo lavoro, elementi pop inseriti nel presente si mescolano a una temporalità metafisica e personale. Nel 1959 Del Pezzo firma il Manifesto di Napoli, che riunisce i membri delle neoavanguardie napoletane e milanesi e altri esponenti della cultura dell’epoca, tra cui Nanni Balestrini, Paolo Radaelli, Leo Paolazzi, Sandro Bajini, Edoardo Sanguineti, Luca, Bruno Di Bello, Mario Persico, Guido Biasi, Giuseppe Alfano, Donato Grieco, Enrico Baj, Angelo Verga, Ettore Sordini, Recalcati e Sergio Fergola.

MAN RAY

Man Ray, pseudonimo di Emmanuel Radnitzky, nasce il 27 agosto 1890 a Philadelphia da una famiglia ebrea. Cresce e completa i suoi studi a New York, dove lavora come designer e grafico e adotta il nome d’arte “Man Ray.” Nel 1914 inizia a fotografare le proprie opere. Dopo aver incontrato Marcel Duchamp, fonda con lui il ramo americano del movimento Dada. Quando Duchamp si trasferisce a Parigi nel 1921, Man Ray lo segue e qui ottiene successo grazie alle sue capacità di fotografo. Nel 1922 realizza i primi rayogrammi, immagini fotografiche ottenute disponendo oggetti direttamente sulla carta fotosensibile. Con la nascita ufficiale del Surrealismo nel 1924, Man Ray diventa il primo fotografo surrealista. Allo scoppio della Seconda guerra mondiale, l’artista ebreo è costretto a rientrare negli Stati Uniti, dove insegna fotografia ed espone le sue opere. Terminato il conflitto, torna in Europa; nel 1975 espone le sue fotografie alla Biennale di Venezia. Muore a Montparnasse, sua seconda casa, il 18 novembre 1976.

Marcello Jori

Marcello Jori nasce a Merano nel 1951. Arriva a Bologna nei primi anni Settanta e, in controtendenza rispetto a una formazione accademica artistica, sceglie di completare gli studi classici presso la Facoltà di Storia dell’Arte, dove incontra Renato Barilli, che nel 1977 cura la sua prima mostra fotografica alla Galleria De’ Foscherari di Bologna. Avvia fin da subito un lavoro analitico sul corpo e sull’anima dell’artista e sull’opera stessa, concentrandosi sul rapporto tra l’artista defunto e l’artista vivente, una pratica che non abbandonerà mai. Questo percorso lo conduce a utilizzare fotografia, pittura e scrittura come materiali ugualmente necessari alla costruzione di un mondo complesso come quello che oggi rappresenta. Espone in gallerie e musei nazionali e internazionali, tra cui la Galleria d’Arte Moderna di Roma; lo Studio Morra e la Galleria Trisorio di Napoli; lo Studio Marconi di Milano; la Galleria De’ Foscherari di Bologna; Corraini a Mantova; la Hayward Gallery di Londra; il Kunstverein di Francoforte; la galleria Holly Solomon di New York; la Galleria Civica d’Arte Contemporanea di Trento; e Castel Sant’Elmo a Napoli. Nel 2000 tiene una mostra personale al GAM di Bologna, in cui viene nuovamente presentato il suo lavoro fotografico degli anni Settanta. Più recente, nel 2011, è l’importante mostra personale a Milano Marcello Jori – Gli Albi dell’Avventura (Fondazione G. Marconi), nella quale vengono esposti anche i tre libri-opera in cui l’artista racconta la realizzazione di un incredibile progetto fotografico legato a Lucio Fontana. Vive e lavora tra Bologna e Milano.

Mario Merz

Mario Merz nasce a Milano il 1° gennaio 1925, ma poco dopo la nascita la famiglia si trasferisce a Torino, dove frequenta il liceo scientifico. Allo scoppio della Seconda guerra mondiale, Merz, allora poco più che ventenne, aderisce al gruppo antifascista “Giustizia e Libertà” e viene arrestato mentre distribuisce volantini. Durante i mesi di detenzione condivide la cella con il pittore Luciano Pistoi e inizia a praticare il disegno. Una volta uscito di prigione, si iscrive all’Università di Torino per studiare medicina, ma abbandona presto gli studi per dedicarsi completamente alla pittura, grazie anche al contatto con gli artisti astratti Luigi Spazzapan e Mattia Moreni. La sua prima mostra personale si tiene nel 1954 alla Galleria La Bussola di Torino. Nel 1959 incontra quella che diventerà sua moglie, Marisa, e insieme a lei e alla figlia Beatrice si trasferisce nella Svizzera di lingua tedesca. Mario Merz (Milano, 1925 – 2003), uno dei principali esponenti dell’Arte Povera, si inserisce nel solco degli artisti italiani attivi tra gli anni Sessanta e Ottanta che hanno contribuito alla diffusione di nuove tendenze e sperimentazioni artistiche, passando dalla pittura tradizionale su tela alle installazioni, apparentemente semplici ma portatrici di significati e riflessioni filosofiche.

Nel lavoro di Merz, gli elementi attraverso cui l’artista affida il proprio messaggio sono i tubi al neon, riutilizzati come materiale nato per altri scopi per esprimere l’energia vitale; le installazioni a forma di igloo, che rimandano ad archetipi antichi e vengono utilizzate come strumento di indagine del rapporto tra l’opera d’arte e lo spazio circostante; e infine la serie numerica di Fibonacci, la cui progressione suggerisce una riflessione sulla crescita dell’individuo. A partire dagli anni Novanta, dopo l’ingresso delle sue opere nei musei e nelle gallerie — superando ulteriormente il concetto tradizionale di spazio espositivo (emblematico è l’inserimento della serie di Fibonacci su una balaustra del Guggenheim di New York) — Merz porta il suo lavoro anche in contesti urbani, come la Mole Antonelliana e le stazioni della metropolitana di alcune città italiane ed europee, con l’obiettivo di condividere il più possibile la propria arte con il pubblico. Le sue riflessioni sull’arte sono raccolte anche nel volume Voglio fare subito un libro, pubblicato nel 1985.

Mario Schifano
Mario Schifano (Homs, Libia italiana, 1934 – Roma, 1998) è considerato il massimo esponente della Pop Art italiana. Influenzato dai più importanti innovatori internazionali del suo tempo, come Andy Warhol, Jasper Johns e Robert Rauschenberg, sviluppa uno stile fortemente d’avanguardia. La sua produzione è caratterizzata da grandi tele monocrome, dall’uso di numeri e lettere e da soggetti ispirati ai marchi pubblicitari, come nelle celebri opere Coca-Cola ed Esso. Utilizza materiali diversi, tra cui smalti e acrilici, e impiega spesso la carta da imballaggio come supporto. Oltre a sperimentare nuove tecniche, tra cui la rielaborazione grafica attraverso il computer (Tele Computerizzate), è tra i primi a proporre una contaminazione tra pittura, musica, cinema, fotografia e video. Nella rappresentazione della natura tende all’astrazione e all’informale, come dimostrano i celebri Paesaggi Anemici, le Vedute Interrotte e i Campi di grano. Sempre vicino alla cultura pop, può essere considerato un vero artista “del suo tempo”. Realizza copertine di dischi per gruppi musicali contemporanei, come gli Equipe 84, e disegna per due volte la Maglia Rosa, a testimonianza della sua passione per il ciclismo. Muore per un attacco cardiaco a Roma nel 1998, all’età di sessantaquattro anni.
Max Ernst

Max Ernst nasce a Brühl il 2 aprile 1891. Pittore, scultore e scrittore tedesco, francese d’adozione, è considerato uno dei maggiori esponenti del Surrealismo, una delle principali avanguardie artistiche del Novecento. Nel 1909 si iscrive alla Facoltà di Filosofia dell’Università di Bonn, ma si interessa in particolare alla psichiatria e alla storia dell’arte; è in questo periodo che scopre la propria vocazione artistica. Le sue prime opere vengono esposte a Berlino nel 1913, dove conosce il poeta Guillaume Apollinaire. Nel 1919 si trasferisce a Monaco, dove entra in contatto con il movimento dadaista di Zurigo. Tornato a Colonia, fonda il gruppo Dada insieme agli amici Hans Arp e Baargeld. Nel 1924, con la pubblicazione del Manifesto del Surrealismo, il clima rivoluzionario francese lo spinge a mettere in discussione la logica tradizionale del linguaggio e dell’espressione figurativa, orientando la sua ricerca verso l’introspezione dell’irrazionale e l’esplorazione dell’inconscio insito nell’essere umano. Alcuni anni più tardi compie un viaggio in Oriente e, ispirato dall’esperienza, sviluppa una nuova tecnica pittorica, il frottage. Muore a Parigi nel 1976. Ernst è un artista che ha seguito con coerenza il proprio percorso, giungendo alla consacrazione quasi in modo fortuito.

Mel Ramos

Mel Ramos nasce a Sacramento nel 1935 ed è stato un artista americano tra i principali protagonisti della Pop Art statunitense. Considerato da alcuni critici l’ultimo esponente della Pop Art e da altri una figura al di fuori di qualsiasi classificazione, attraverso le sue opere esprime sia l’essenza dell’arte realista sia quella dell’arte astratta. Una forte ironia e un tono dissacrante caratterizzano la sua produzione, rivolta soprattutto al tema del consumismo, verso il quale indirizza la propria critica attraverso un uso esasperato del linguaggio e delle tecniche del fumetto. Negli anni Sessanta ottiene i primi importanti riconoscimenti e, a partire dal 1959, partecipa a oltre 120 mostre collettive.

Insieme ad artisti come Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg e James Rosenquist, diventa interprete della cultura popolare così come proposta dai mass media. In Europa come in Nord America partecipa alle principali esposizioni dedicate alla Pop Art e le sue opere vengono ampiamente riprodotte in libri, cataloghi e periodici. La sua eredità artistica è oggi conservata in importanti collezioni museali, tra cui il Guggenheim Museum di New York, il MoMA di New York, il MOCA di Los Angeles, il Museum Moderner Kunst di Vienna e il Whitney Museum of Art. La sua influenza è stata rilevante, anticipando soluzioni poi adottate da artisti come Jeff Koons. La sua visione ironica e irriverente del consumismo e della cultura di massa rimane ancora oggi una testimonianza significativa del suo tempo.

Mimmo Paladino

Domenico Paladino, detto Mimmo (Paduli, 1948), è un pittore, scultore e incisore italiano, noto per essere uno dei principali esponenti del movimento della Transavanguardia e per la realizzazione di grandi installazioni collocate in diverse città italiane. Il suo stile è riconoscibile per la presenza di elementi tratti da culture differenti, come maschere, animali, mani e teste. L’artista è molto noto anche all’estero, dove gli sono state dedicate numerose mostre personali. Il movimento di cui fa parte, la Transavanguardia, nasce all’inizio degli anni Ottanta: fondato dal critico d’arte Achille Bonito Oliva, il gruppo comprende Enzo Cucchi, Sandro Chia, Francesco Clemente, Nicola De Maria e lo stesso Mimmo Paladino. Comune alle loro esperienze individuali è il desiderio di attingere al passato e a tradizioni pittoriche anche molto lontane e diverse tra loro, per creare un linguaggio ibrido capace di mettere in relazione epoche differenti, in senso trans-storico. All’interno del gruppo, Mimmo Paladino è considerato l’artista più essenziale, vicino al primitivismo e all’espressionismo tedesco dei primi del Novecento.

Mimmo Rotella

Mimmo Rotella (Catanzaro, 1918 – Milano, 2006) tra il 1951 e il 1952 partecipa a diverse esposizioni e tiene la sua prima mostra personale alla Galleria Chiurazzi di Roma. Ottiene una borsa di studio della Fulbright Foundation e si reca all’Università di Kansas City (Missouri), prima come studente e successivamente come artista in residenza; per l’occasione realizza un pannello murale per l’ateneo, collocato nell’atrio della Facoltà di Geologia. Rientrato in Italia, si stabilisce a Roma in uno studio nei pressi di Piazza del Popolo. Negli anni successivi, tornato a Roma, Rotella attraversa un periodo di crisi durante il quale interrompe la propria ricerca artistica, pur continuando a comporre poesia fonetica o epistatica. In seguito inizia a realizzare opere su tela alle quali applica parti di carta strappata dai manifesti pubblicitari prelevati dalle strade: nasce così il décollage, opposto al collage. Mentre il collage opera per sovrapposizione delle immagini, il décollage agisce per sottrazione dell’immagine attraverso strappi e abrasioni delle figure.

Una peculiarità del lavoro di Mimmo Rotella è l’utilizzo anche del retro dei manifesti, detto retro d’affiche. Trasferitosi a Milano, negli anni Ottanta dà avvio alla serie dei Blanks, nella quale ricopre i manifesti con fogli monocromi. A partire dal 1984 riprende la pittura, realizzando il ciclo Cinecittà 2 e successivamente le Sovrapitture, interventi pittorici su manifesti pubblicitari. Espone nel 1990 al Centre Pompidou di Parigi e al Museum of Modern Art di New York, e nel 1994 al Solomon R. Guggenheim Museum. Nel 2000 viene istituita la Fondazione Mimmo Rotella con l’obiettivo di promuovere l’arte contemporanea e tutelare l’opera dell’artista. Muore a Milano l’8 gennaio 2006.

Nicolai Lilin

Nicolai Lilin, pseudonimo di Nikolaj Verzhbitskiy, viene scelto in omaggio alla madre dell’autore, Lilia. Nato il 12 febbraio 1980 a Bender, in Transnistria (stato indipendente non riconosciuto dalla comunità internazionale, situato tra Moldavia e Ucraina ed ex territorio dell’Unione Sovietica), è uno scrittore, tatuatore e artista di origine siberiana con cittadinanza italiana. Lilin proviene da una famiglia legata alle tradizioni siberiane: i suoi antenati appartenevano a una vasta stirpe di esploratori, fuorilegge, cacciatori e mercanti, con origini russe, polacche, ebraiche e tedesche. Nel 2003 si trasferisce in provincia di Cuneo, dove diventa tatuatore dopo aver studiato per molti anni i tatuaggi della tradizione criminale siberiana e averne appreso le tecniche e i complessi codici simbolici. Dal 2010 vive e lavora a Milano. Nicolai Lilin è noto anche per la sua produzione artistica, in particolare disegni, graffiti su carta, dipinti su tela e riproduzioni di icone ortodosse, tutte opere ispirate alla simbologia del tatuaggio. A Milano gestisce un laboratorio artistico, il Kolima Art Studio, dove espone lavori costantemente legati alla cultura del tatuaggio siberiano.

Fa inoltre parte del consiglio direttivo di Outsiders, collettivo artistico internazionale che si propone di riportare il rispetto per la forma nell’arte, in tutte le sue espressioni. L’artista ha esposto le proprie opere, tra l’altro, alla Triennale di Milano, al Museo del Novecento e al Castello di Susan, con mostre personali che evocano e indagano il mondo del tatuaggio attraverso il recupero dei suoi significati ancestrali, radicati nell’antropologia. Il suo lavoro offre una chiave di lettura più consapevole di un fenomeno oggi molto diffuso, che attraversa la moda, la scrittura approdata al cinema e il disegno evolutosi nel tatuaggio, nel design e nella moda. Dal 2019 collabora con la galleria d’arte e stamperia Originale Multiplo S.r.l. (già Alfeart) di Milano, realizzando multipli originali tratti da tatuaggi e immagini inedite. Alcune opere sono state esposte alle edizioni 2020 e 2021 di WopArt – Work on Paper, fiera internazionale dedicata alle opere su carta antiche, moderne e contemporanee che si tiene a Lugano.

Ottavio missoni
Ottavio Missoni, noto designer italiano, nel corso della sua carriera ha realizzato anche serigrafie, collaborando con importanti studi d’arte. The Roots chiarisce le origini della ricerca dei Missoni, le prime risorse e le fonti di ispirazione, nell’ambito delle arti visive e della moda. Il quadro di riferimento è quello della nascita delle avanguardie storiche europee, che spaziano dall’astrattismo lirico di Sonia Delaunay — fondamentale insieme a Kandinskij e Klee — al Futurismo di Balla e Severini, fino all’affermazione, negli anni Trenta, di gruppi, riviste e ricerche orientate alla definizione di una pittura e di una scultura geometriche, di matrice costruttivista e concretista. In questo contesto si afferma un linguaggio espressivo fondato sulla composizione ritmica di forme e colori, utilizzati in modo puro, linguaggio che i Missoni hanno tradotto e rielaborato nei motivi centrali del loro processo creativo.
Piero Dorazio

Piero Dorazio (Roma, 29 giugno 1927 – Perugia, 17 maggio 2005) è stato un pittore italiano che, a partire dal 1945, ha contribuito in modo determinante all’affermazione dell’astrattismo in Italia. Dopo aver compiuto studi classici a Roma, frequenta per quattro anni la facoltà di Architettura. Nel 1947 è tra i firmatari del manifesto del Gruppo Forma 1, insieme a Ugo Attardi, Pietro Consagra, Mino Guerrini, Achille Perilli, Antonio Sanfilippo, Giulio Turcato e Carla Accardi. Nello stesso anno ottiene una borsa di studio presso l’École nationale supérieure des beaux-arts di Parigi, dove risiede per un anno. Nel 1950, insieme a Perilli e Guerrini, apre a Roma la libreria-galleria L’Âge d’Or, che nel 1951 confluisce nel gruppo Origine di Mario Ballocco, Alberto Burri, Giuseppe Capogrossi ed Ettore Colla, dando vita alla Fondazione Origine, all’interno della quale Colla e Dorazio pubblicano la rivista Arti Visive. Durante un soggiorno negli Stati Uniti entra in contatto con alcune delle personalità più importanti del periodo, tra cui Willem de Kooning, Mark Rothko, Jackson Pollock, Barnett Newman, Robert Motherwell e il critico d’arte Clement Greenberg. In questo periodo Dorazio approfondisce anche lo studio degli scritti di Vasilij Vasil’evič Kandinskij, le cui teorie sugli aspetti immateriali della pittura lo influenzano profondamente. Rientrato in Italia, prosegue un’intensa attività espositiva con mostre personali in città come Milano, Venezia e Roma, e compie frequenti soggiorni artistici in numerose città europee, tra cui Parigi, Londra, Praga, Düsseldorf e Berlino, contribuendo alla diffusione della sua fama anche fuori dall’Italia.

Nel 1960 fonda il Dipartimento di Belle Arti presso la School of Fine Arts dell’Università della Pennsylvania a Philadelphia, che negli anni Sessanta viene riconosciuta come una delle migliori scuole di arte e architettura degli Stati Uniti, e della quale ricopre successivamente l’incarico di direttore. Nel 1961 partecipa alle attività del Gruppo Zero a Berlino insieme a Heinz Mack, Otto Piene e Günther Uecker; nello stesso periodo, a Parigi, riceve il Premio Kandinsky e il Primo Premio alla Biennale des Jeunes, mentre una sua mostra personale viene allestita presso il Kunstverein di Düsseldorf. Tra il 1963 e il 1965 espone alcune sue opere in importanti rassegne internazionali, tra cui Contemporary Italian Paintings in Australia, Peintures italiennes d’aujourd’hui in Medio Oriente e Nord Africa e The Responsive Eye al Museum of Modern Art di New York. Nel 1966, dopo la seconda partecipazione alla Biennale di Venezia, espone alla Galerie Im Erker di San Gallo, dove avvia una collaborazione artistica con Giuseppe Ungaretti: per l’occasione Ungaretti scrive un saggio sulla sua pittura per la presentazione del catalogo, mentre nel 1967 Dorazio realizza una serie di grafiche per accompagnare la raccolta poetica di Ungaretti La luce. Nel 1970 interrompe definitivamente l’attività didattica per dedicarsi esclusivamente alla pittura. Dopo aver avuto studi a Roma, Parigi, New York, Philadelphia e Berlino, nel 1974 si trasferisce stabilmente a Todi, dove acquista un antico eremo camaldolese e continua a lavorare fino al 2005, anno della sua morte. Nel 1984 sposa Giuliana Soprani. Nel 1989 collabora al progetto Fiumara d’Arte di Tusa, grande parco museale a cielo aperto ideato da Antonio Presti, realizzando, insieme a Graziano Marini, la decorazione ceramica policroma della caserma dei Carabinieri di Castel di Lucio. Le opere di Dorazio sono coerentemente astratte, ricche di colori luminosi che mettono in evidenza bande e griglie incrociate, e il suo stile è strettamente riconducibile a quello che Clement Greenberg ha definito “astrazione post-pittorica”.

Remo Salvadori
Remo Salvadori nasce a Cerreto Guidi, in provincia di Firenze, nel 1947. Il suo lavoro si sviluppa inizialmente attraverso l’uso della fotografia e di oggetti comuni, disposti nello spazio, per reinterpretare concetti di natura filosofica o mitologica. Il rapporto dell’artista con la forza di gravità, la materia, la solidità e la fragilità dei materiali — non come ossimoro o illusione, ma come condizione tangibile — si concretizza in nuove composizioni aperte ed equilibrate, regolari e irregolari, frutto di conoscenza, di rigore compositivo e di una disciplina matematica da lui sempre praticata. Se i concetti di metamorfosi e alchimia possono richiamare dettami della tradizione storica, l’esito delle opere di Salvadori si risolve in un’armonia essenziale, fatta di proporzioni, geometrie e di una nuova e intensa dimensione metafisica deliberatamente perseguita.
Richard Hamilton

Richard Hamilton è nato a Londra nel 1922. Studia al Westminster Technical College, alla St. Martin's School of Art, alla Royal Academy Schools e infine alla Slade School of Art e inizia a lavorare nel campo della pubblicità. Nel 1950 presenta una selezione di opere grafiche nella sua prima mostra personale alla Gimpel Fils Gallery e l'anno successivo inizia a collaborare con l'Institute of Contemporary Arts di Londra. Amico e allievo di Marcel Duchamp, Hamilton ha svolto un ruolo originale e centrale nello sviluppo della Pop Art. Le sue opere, basate sulla tecnica del trasferimento fotografico, raffigurano dettagli ingranditi di oggetti o immagini tratte dalla fotografia giornalistica e pubblicitaria, producendo effetti di ironico straniamento, come in Cos'è che rende le case di oggi così diverse, così attraenti? (1956, Londra, Whitechapel Art Gallery). Nelle opere successive, questi effetti sono accentuati dall'uso di colori lividi e metallici. Tra le numerose retrospettive a lui dedicate, si segnala la mostra alla Tate Gallery di Londra nel 1992, la prima presentazione completa della sua opera; L'introspettiva al Museu d'Art Contemporani di Barcellona nel 2003; e la mostra alla Serpentine Gallery di Londra nel 2010. Nel 1993 ha ricevuto il Leone d'oro per la pittura alla Biennale di Venezia.

Gli interni domestici, le immagini ripetute ossessivamente dai mass media e gli status symbol della società dei consumi sono i temi predominanti delle sue opere successive (1TP4Il, 1958-1961; Adone in Y Front, 1962; Interno, 1964-1965). A metà degli anni Sessanta, dopo un viaggio negli Stati Uniti, lavora a una serie dedicata al Guggenheim Museum di New York, che espone alla Robert Fraser Gallery e successivamente allo Studio Marconi. In questo periodo intraprende anche la ricostruzione dell'opera di Marcel Duchamp. Vetro grande e ha organizzato una retrospettiva dedicata a Duchamp alla Tate Gallery nel 1966. Invitato a insegnare presso le più prestigiose istituzioni britanniche, Hamilton ha ricevuto numerosi premi e, a partire dagli anni Settanta, è stato oggetto di importanti retrospettive in tutto il mondo (1974 a New York, Monaco e Tubinga; 1979, 1982 e 1992 alla Tate Gallery di Londra). Una raccolta dei suoi scritti è stata pubblicata da Thames & Hudson nel 1982. Nel 2003 la Serpentine Gallery di Londra gli ha dedicato un'importante mostra personale. Richard Hamilton è morto nel settembre 2011.

Robert Indiana

Nato come Robert Clark il 13 settembre 1928 a New Castle, nell’Indiana, è stato un artista americano associato al movimento della Pop Art. A partire dagli anni Sessanta, Indiana ha avuto un ruolo centrale nello sviluppo dell’assemblage, dell’hard-edge e della Pop Art, affermandosi come una delle figure più rilevanti dell’arte americana. Nel 1956 si trasferisce a New York, dove incontra Ellsworth Kelly e si stabilisce a Coenties Slip, una comunità di artisti che comprendeva, tra gli altri, Kelly, Agnes Martin, James Rosenquist e Jack Youngerman. L’ambiente di Coenties Slip ha avuto un’influenza profonda sul suo lavoro, portandolo a realizzare opere che incorporano parole e numeri, ispirati ai materiali rinvenuti nei magazzini abbandonati della zona. Le opere di Indiana presentano spesso immagini iconiche e fortemente riconoscibili, come numeri e parole brevi quali EAT, HUG e LOVE. La sua opera più celebre è senza dubbio LOVE, realizzata per la prima volta nel 1964 per una cartolina natalizia del Museum of Modern Art. Questa immagine è diventata un’icona dell’arte moderna ed è stata riprodotta su francobolli e innumerevoli prodotti. Indiana si distingue da altri artisti pop per l’attenzione a temi sociali e politici e per l’inserimento di riferimenti storici e letterari nelle sue opere. Attraverso parole e numeri esplora l’illusione del sogno americano, creando connessioni e percezioni nella mente dell’osservatore.

Le sue opere sono caratterizzate da forme geometriche simmetriche e colori brillanti, che richiamano l’estetica della pubblicità e dei mass media. Oltre alla pittura e alla scultura, Robert Indiana ha realizzato un’importante produzione grafica, collaborando anche con il poeta Robert Creeley. Ha inoltre lavorato come scenografo e costumista teatrale, contribuendo alla produzione dell’opera The Mother of Us All di Virgil Thomson nel 1976. Le sue opere sono state esposte in numerose mostre personali e collettive in tutto il mondo e fanno parte delle collezioni permanenti di importanti musei, tra cui il Museum of Modern Art e il Whitney Museum of American Art di New York, la National Gallery of Art di Washington e il Museum of Modern Art di San Francisco. Robert Indiana è morto il 19 maggio 2018 nella sua casa di Vinalhaven, poco prima dell’inaugurazione della sua retrospettiva scultorea all’Albright-Knox Art Gallery. La sua eredità come protagonista della Pop Art americana e la sua capacità di indagare l’identità statunitense e il potere del linguaggio continuano ad avere un impatto duraturo sull’arte contemporanea.

ROY LICHTENSTEIN

Roy Lichtenstein nasce a New York nel 1927. È uno dei più rappresentativi esponenti della Pop Art, nonché uno degli artisti più celebri della seconda metà del Novecento. Si avvicina all’arte già in adolescenza. Tappe fondamentali della sua formazione sono l’Art Students League di New York e la Ohio State University di Columbus, frequentate contemporaneamente. Nel 1943 interrompe gli studi quando viene inviato in Europa a causa della Seconda guerra mondiale. Rientra in Ohio nel 1946, dove riprende gli studi e si laurea, specializzandosi in Belle Arti nel 1949. Il 1951 segna l’anno della sua prima mostra personale: espone a New York presso la Carlebach Gallery, presentando sia opere pittoriche sia assemblaggi di oggetti e materiali diversi.

Nel 1956 le sue opere iniziano ad avvicinarsi alla Pop Art e all’Espressionismo Astratto. Compaiono nei suoi lavori personaggi molto amati dal pubblico, come Mickey Mouse e Bugs Bunny. La sua arte è strettamente legata al mondo popolare e in particolare al fumetto. La sua tecnica prevede la sovrapposizione di una griglia metallica sulla tela, alludendo al linguaggio puntinato dei comics. La sua innovazione consiste nel trasmettere messaggi attuali e significativi in modo semplice e simbolico, portando l’osservatore a soffermarsi su immagini che solitamente vengono lette distrattamente. Nel corso degli anni viene invitato a partecipare a numerose esposizioni, tra cui l’Esposizione Universale del 1964, per la quale realizza un murale per il Padiglione di New York. Tra gli anni Settanta e Ottanta si dedica alla realizzazione delle Nature Morte e si avvicina al Futurismo, al Costruttivismo russo, al Surrealismo e all’Espressionismo tedesco. Lichtenstein entra nella storia come l’artista che è riuscito ad avvicinare la pittura al mondo commerciale e al fumetto. Muore a New York nel 1997 a causa di un aggravamento di una polmonite.

SALVADOR DALÍ

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech (Figueres, 1904 – 1989) è stato una delle figure più importanti ed eccentriche della storia dell’arte ed è conosciuto in tutto il mondo per le sue opere surrealiste. Celebre soprattutto per il suo metodo paranoico-critico applicato al Surrealismo, è autore di numerosi capolavori come La persistenza della memoria (1931), Costruzione molle con fagioli bolliti: presagio di guerra civile (1936), Sogno causato dal volo di un’ape intorno a una melagrana un attimo prima del risveglio (1944), Gli elefanti (1948) e Galatea delle sfere (1952). La sua produzione artistica non si limita alla pittura, ma si estende anche al cinema, con la realizzazione insieme a Luis Buñuel di Un Chien Andalou (1929), e al design, con la progettazione di oggetti iconici come il Telefono-aragosta (1936) e il Divano labbra di Mae West (1937). Oltre alle sue capacità artistiche, Dalí è noto per la sua personalità eccentrica e per la cura dell’immagine di sé: i suoi celebri baffi rappresentano ancora oggi un tratto distintivo e identificativo. Il Surrealismo, movimento artistico al quale Dalí aderì per un periodo, nasce negli anni Venti del Novecento e propone una nuova visione della realtà, enfatizzando il mondo del sogno e dell’inconscio. I surrealisti definivano questo approccio come una forma di “automatismo psichico”, in cui l’inconscio domina l’opera senza essere condizionato da cliché o freni inibitori.

Sebbene la pittura di Salvador Dalí tragga ispirazione da diversi movimenti artistici, come il Dadaismo e il Cubismo, il suo linguaggio rimane a lungo legato al Surrealismo. Il suo metodo coincide con quello che egli stesso definì “paranoico-critico”, elaborato all’inizio degli anni Trenta. Tale metodo consiste nella trasposizione in immagini pittoriche di visioni e illusioni ottiche generate dall’inconscio. Oltre ai musei spagnoli, numerose istituzioni internazionali dedicano spazi permanenti all’artista, tra cui il Dalí Museum di Berlino e il Salvador Dalí Museum di St. Petersburg, in Florida, che conserva circa 1.500 opere. Altre collezioni permanenti si trovano presso il Dalí Paris a Parigi, il Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía di Madrid, la Fundación March di Palma di Maiorca, il Museo Thyssen-Bornemisza di Madrid e i Musées Royaux des Beaux-Arts di Bruxelles. Altre opere di Dalí sono conservate nei più importanti musei del mondo, come il Museum of Modern Art di New York, che ospita La persistenza della memoria, il Philadelphia Museum of Art, la Tate Gallery e il Museum Folkwang di Essen.

Shepard Fairey (Obey)

Shepard Fairey, considerato uno dei più noti e influenti street artist contemporanei, è originario della Carolina del Sud e si diploma all’Art Academy nel 1988. Nel 1989, mentre spiega a un amico come realizzare uno stencil, gli chiede di crearne uno utilizzando un’immagine appena vista su un giornale. L’amico rifiuta, giudicando l’idea inutile, ma Shepard, divertito, decide comunque di realizzare lo stencil con il volto di André the Giant. Nasce così il simbolo che renderà Shepard Fairey famoso in tutto il mondo con lo pseudonimo OBEY. La sua notorietà raggiunge l’apice nel 2008 con la realizzazione del poster HOPE raffigurante Barack Obama per le elezioni presidenziali statunitensi, successivamente acquisito dalla National Portrait Gallery di Washington. Artista, attivista, graphic designer e illustratore, Fairey fonda nel 2001 anche il brand di abbigliamento OBEY, che trova terreno fertile nella cultura skate e diventa per lui un ulteriore mezzo espressivo attraverso cui portare avanti la propria poetica e le proprie istanze politiche, ampliando il suo pubblico oltre la nicchia della street art. I capi prodotti riprendono e rendono iconici gli elementi visivi della sua arte.

Il nome stesso del brand deriva da una campagna realizzata da Fairey nel 1989, André the Giant Has a Posse, un’azione di sticker propaganda che in seguito evolve in Obey Giant. Questo progetto dà vita a una rete internazionale di collaboratori che replicano i disegni originali di Fairey e contribuiscono a rendere virali le sue immagini. Secondo l’artista, gli adesivi «non hanno un significato specifico, ma esistono per provocare una reazione». Considerati atti di vandalismo o espressioni artistiche, dividono la critica ma si radicano nella cultura underground, di chiara ispirazione DIY e post-punk, che li utilizza come strumento di dissenso nei confronti della cultura dominante, dalla quale tuttavia trae precisi riferimenti stilistici e retorici, come lo slogan pubblicitario e la compulsione alla ripetizione. Il lavoro di Fairey, apertamente ispirato alla fenomenologia in chiave heideggeriana, trova una sua formulazione nel manifesto del 1990.

Ugo Nespolo

Ugo Nespolo nasce a Mosso Santa Maria, in provincia di Biella, il 29 agosto 1941. Le sue composizioni si avvicinano alla Pop Art e al Neo-Dadaismo per la costante ricerca di contenuti ironici e trasgressivi. Questo aspetto è evidente nei puzzle e nei giochi realizzati a partire dagli anni Settanta, così come nelle opere pittoriche spesso accompagnate da filastrocche e poesie. L’artista ama sperimentare l’uso di materiali diversi, anche preziosi come l’argento e la madreperla, e di tecniche particolari come l’intarsio e il collage. Sempre alla ricerca di nuovi significati da attribuire agli oggetti di uso quotidiano, Nespolo inserisce costanti riferimenti all’attualità nelle sue opere. Grande innovatore, Ugo Nespolo vive e lavora a Torino.

Valerio Adami

Valerio Adami nasce a Bologna il 17 marzo 1935. Nel 1944, durante gli anni della guerra, la famiglia si trasferisce definitivamente a Milano dopo un breve soggiorno a Padova. Nel 1960 vince il Premio Lissone e partecipa alla mostra Young Italian Painters presso il Kamakura Museum of Modern Art in Giappone. L’anno successivo prende parte alla rassegna Italian Artists, organizzata dalla Cambridge Art Association di Boston. Nella seconda metà degli anni Sessanta vengono organizzate numerose esposizioni internazionali dedicate a Valerio Adami, dando inizio a una serie di lunghi soggiorni che lo portano, tra l’altro, a Londra, New York, Cuba, Tokyo, Caracas, Baviera, India, Israele, Scandinavia e Argentina. Tutti questi viaggi incidono profondamente sulla sua cultura e sulla sua visione artistica, portandolo ad affrontare nelle sue opere temi legati a culture diverse dalla propria. Nel 1966 realizza il ritratto di Nietzsche, il primo di una lunga serie di “ritratti letterari”, nei quali la linea segue meno la fisionomia che il profilo di un pensiero simbolico. Due importanti mostre gli vengono dedicate presso le gallerie Schwarz e Marconi di Milano. Nel 1968 la Biennale di Venezia riserva una sala ai dipinti di Adami. Nel 1971 si trasferisce a New York, dove apre il suo atelier e da quel momento vi farà ritorno regolarmente per alcuni mesi ogni anno. In questi anni entra in contatto con numerosi scrittori, filosofi e artisti, tra cui Dino Buzzati, Helmut Heissenbüttel, Marc Le Bot e Jacques Derrida, con i quali instaura legami duraturi che favoriscono un continuo e proficuo scambio di idee.

Nel frattempo, la figura umana entra sempre più chiaramente nella sua pittura, non più soltanto come corpo inserito tra gli oggetti o nelle decorazioni di interni e spazi pubblici. Nel 1990, dopo essere tornato a vivere sul Lago Maggiore, tiene una grande retrospettiva presso l’IVAM – Centre Julio González di Valencia, seguita l’anno successivo da una mostra al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía di Madrid. Nel 1992 intraprende un lungo viaggio in Messico, seguito da un altro soggiorno prolungato in India nel 1996. Rientrato in Italia nel 1997, Palazzo Medici Riccardi a Firenze ospita una vasta esposizione delle sue opere, suddivise per temi. Nel 1998 realizza un dipinto monumentale per il Monte dei Paschi di Siena. Nel 2000 nasce a Meina, città in cui l’artista vive, la Fondazione Europea del Disegno, ospitata nel restaurato Museo di Villa Faraggiana. Nel 2006 il Museo d’Arte Contemporanea di Lissone conferisce ad Adami il premio alla carriera e ospita una grande retrospettiva intitolata Adami d’après Adami. Nel 2009 inaugura, insieme alla moglie Camilla, la retrospettiva Camilla ADAMI Valerio al Palazzo Reale di Milano. Nel 2011 la città di Lucca celebra il suo lavoro con un trittico di mostre dedicate ai disegni, ai dipinti e agli acquerelli. Nel 2012 la Galleria Tega di Milano inaugura la nuova sede con un’ampia retrospettiva di Adami intitolata Figures in Time, accompagnata da un importante catalogo contenente numerosi saggi storici sull’artista.

Victor Vasarely

Victor Vasarely (Pécs, 9 aprile 1906 – Parigi, 15 marzo 1997) è stato un pittore e grafico francese di origine ungherese. È considerato il fondatore del movimento artistico dell’Op Art, sviluppatosi tra gli anni Sessanta e Settanta, e, insieme a Bridget Riley, uno dei suoi principali esponenti. Nel 1927, dopo aver studiato medicina per alcuni anni all’Università di Budapest, decide di dedicarsi all’arte e nel 1929 si iscrive al Mühely, scuola fondata da Alexandre Bortnyik che seguiva i principi del Bauhaus di Dessau. In questo periodo entra in contatto con il Costruttivismo e l’arte astratta. Dopo aver lasciato l’Ungheria, nel 1930 si stabilisce a Parigi, dove inizia a lavorare come grafico. Nel primo periodo grafico (1929–1946) pone le basi della sua ricerca estetica, affrontando temi che riprenderà successivamente. Tra il 1935 e il 1947 riscopre la pittura e, influenzato in particolare dal Cubismo e dal Surrealismo, si dedica al ritratto, alla natura morta e al paesaggio. Le opere del cosiddetto periodo “Belle-Île” (1947–1958) nascono da un soggiorno sull’isola e segnano il passaggio verso l’astrazione attraverso l’uso di elementi naturali. Al periodo “Denfert” (1951–1958) appartengono invece disegni ispirati ai muri della stazione della metropolitana Denfert-Rochereau di Parigi.

Segue il periodo “Cristal-Gordes” (1948–1958), caratterizzato dalla giustapposizione di forme dai colori contrastanti, e il periodo “Bianco e Nero” (1950–1965), in cui l’artista riprende la sua ricerca grafica iniziale. Nel 1955 espone con altri esponenti dell’arte cinetica alla Galerie Denise René di Parigi e, nello stesso anno, pubblica il Manifeste Jaune. Nel 1965 partecipa alla mostra The Responsive Eye al Museum of Modern Art di New York, interamente dedicata all’Optical Art. Proseguendo i suoi studi sul movimento e sulla percezione, Vasarely ritorna al disegno nel cosiddetto periodo “Vonal” (1964–1970), nel quale riprende i temi lineari e grafici del periodo “Bianco e Nero”, introducendo però il colore. Il periodo “Vega” inizia nel 1968, quando la deformazione degli elementi della composizione crea effetti ottici di rigonfiamento della superficie pittorica. Nel 1976 fonda la Fondazione Vasarely ad Aix-en-Provence, concretizzando l’idea che l’arte non debba essere separata dal contesto sociale e dall’ambiente che la circonda.

Verena Loewensberg
Verena Loewensberg (1912–1986) è stata un’artista svizzera e una figura chiave del movimento dell’Arte Concreta di Zurigo. Ha studiato tessitura a Basilea, un’esperienza che ha influenzato profondamente la sua sensibilità per la struttura e la geometria. Negli anni Trenta entra in stretto contatto con Max Bill e Richard Paul Lohse, contribuendo alla formazione del nucleo dell’Arte Concreta in Svizzera. Il suo lavoro è caratterizzato da un uso preciso del colore, dall’astrazione geometrica e da un forte senso di armonia visiva. Le sue composizioni esplorano spesso il rapporto tra forma, colore e ritmo, dando origine a opere al tempo stesso rigorose e dinamiche. Pur mantenendo un profilo pubblico discreto durante la sua vita, l’arte di Loewensberg è stata apprezzata per la sua chiarezza e innovazione. Le sue opere fanno parte delle collezioni di importanti istituzioni come il Kunsthaus Zürich e il Museum of Modern Art di New York, e l’artista rimane una figura significativa nella storia dell’arte astratta.
Camille Graeser

Camille Graeser (1892–1980) è stato un pittore e designer svizzero, considerato una delle figure di riferimento dell’Arte Concreta. Nato a Carouge, in Svizzera, si forma inizialmente come ebanista, per poi studiare design e architettura a Stoccarda, dove entra in contatto con i circoli artistici legati al Bauhaus e al Werkbund. Dopo il trasferimento a Zurigo nel 1933, Graeser abbraccia pienamente l’astrazione geometrica. Le sue opere sono caratterizzate da precisione formale, vivaci gamme cromatiche e dall’esplorazione delle relazioni spaziali. Attraverso un’attenta disposizione di forme e linee, l’artista mira a trasmettere un senso di equilibrio e universalità. Membro del gruppo Allianz insieme ad artisti come Max Bill e Richard Paul Lohse, Graeser svolge un ruolo fondamentale nella diffusione dell’Arte Concreta in Svizzera. Le sue opere sono presenti in prestigiose collezioni internazionali, a testimonianza della sua duratura influenza sull’arte e sul design moderni.

Getulio Alviani

Getulio Alviani (1939–2018) è stato un influente artista italiano, noto per il suo contributo all’Arte Ottica e all’Arte Programmata. Nato a Udine, sviluppa fin da giovane un interesse per il design industriale e per i materiali, elementi che diventeranno centrali nella sua pratica artistica. Negli anni Sessanta ottiene un ampio riconoscimento grazie alle Superfici a testura vibratile, una serie di opere realizzate con alluminio lucidato e strutture geometriche capaci di generare illusioni ottiche di movimento e luce. La sua ricerca fonde scienza, tecnologia ed estetica, mettendo in discussione i confini tradizionali tra arte e design industriale. Alviani è stato una figura chiave nei movimenti internazionali dell’Arte Cinetica e Ottica, partecipando a importanti manifestazioni come la Biennale di Venezia del 1964. Il suo lavoro rappresenta ancora oggi un esempio significativo dell’incontro tra arte, percezione e tecnologia, influenzando generazioni di artisti e designer contemporanei.

Movimenti artistici

pop art

La pop art è un movimento artistico emerso negli anni Cinquanta e Sessanta, caratterizzato dall'uso di immagini e temi tratti dalla cultura popolare e dai mass media. Artisti come Andy Warhol, Roy Lichtenstein e Claes Oldenburg hanno utilizzato tecniche come la serigrafia e il collage per creare opere che riflettono e criticano la società dei consumi. La pop art ha sfidato le nozioni tradizionali di arte portando elementi della vita quotidiana e della pubblicità nel contesto artistico, rendendo l'arte più accessibile e rilevante per il pubblico. Questo movimento ha avuto un impatto duraturo sulla cultura visiva contemporanea, influenzando il design, la moda e la pubblicità.

surrealismo

Il surrealismo è un movimento artistico e letterario emerso negli anni Venti, caratterizzato dal desiderio di esplorare l'inconscio e i sogni. Fondato da André Breton, il surrealismo mira a liberare la creatività umana dalla logica e dalla razionalità, fondendo elementi reali e fantastici in modi inaspettati. Artisti come Salvador Dalí, René Magritte e Max Ernst hanno utilizzato immagini evocative e simboliche per esprimere emozioni e stati d'animo profondi. Tecniche come il collage e l'uso di soggetti onirici sono comuni, creando opere che sfidano le convenzioni e invitano a una riflessione più profonda sulla realtà. Il Surrealismo ha influenzato non solo l'arte, ma anche la letteratura, il cinema e la psicologia.

dadaismo

Il Dadaismo è un movimento artistico e culturale emerso durante la Prima Guerra Mondiale, intorno al 1916, in risposta alla devastazione e all'assurdità del conflitto. Fondato da artisti e scrittori come Tristan Tzara, Marcel Duchamp e Hugo Ball, il Dadaismo si caratterizza per il suo approccio anti-artistico e provocatorio, mettendo in discussione le convenzioni estetiche e i valori della società borghese. Utilizzando tecniche come il collage, il ready-made e la performance, i dadaisti cercarono di esprimere il caos e l'irrazionalità del mondo contemporaneo. Le loro opere riflettevano spesso una critica sociale e politica, con l'obiettivo di liberare la creatività dall'ordine e dalla logica. Il dadaismo ha influenzato molti movimenti successivi, come il surrealismo e l'arte concettuale.

Nouveau Réalisme

Il Nouveau Réalisme è un movimento artistico francese emerso alla fine degli anni Cinquanta, caratterizzato dall'uso di oggetti quotidiani e materiali comuni per creare opere d'arte. Artisti come Rotella, Arman, César e Niki de Saint Phalle cercarono di allontanarsi dalle convenzioni artistiche tradizionali, proponendo un'arte più vicina alla vita reale e alla cultura popolare. Utilizzando il collage, l'assemblaggio e le installazioni, il Nouveau Réalisme si oppose all'astrazione, sottolineando l'importanza degli oggetti e dell'esperienza sensoriale. Il movimento ha anticipato tendenze come l'Arte Povera e la Pop Art, aprendo nuove strade nel rapporto tra arte e realtà.

Arte povera

L’Arte Povera è un movimento artistico italiano nato negli anni Sessanta, caratterizzato dall’uso di materiali semplici e naturali come terra, legno, pietra e metalli. Artisti come Michelangelo Pistoletto, Jannis Kounellis e Mario Merz hanno cercato di mettere in discussione le convenzioni del mercato dell’arte e di richiamare l’attenzione sull’autenticità e sull’esperienza sensoriale. L’Arte Povera si è opposta all’arte commerciale e all’astrazione tradizionale, promuovendo un approccio più diretto e genuino. Le opere hanno spesso coinvolto l’interazione con il pubblico e l’uso dello spazio, riflettendo un forte legame con il contesto sociale e ambientale. Questo movimento ha esercitato un’influenza profonda sull’arte contemporanea, aprendo la strada a pratiche più sperimentali e partecipative.

Pop art britannica

La Pop Art britannica emerge tra gli anni Cinquanta e Sessanta come un movimento artistico che celebra e allo stesso tempo critica la cultura popolare e i mass media. Artisti come Richard Hamilton, Peter Blake e David Hockney utilizzano immagini iconiche, pubblicità e prodotti di consumo per esplorare il confine tra arte e vita quotidiana. La Pop Art britannica si distingue per un approccio ironico e provocatorio, spesso legato alle trasformazioni sociali e culturali dell’epoca. Attraverso tecniche come il collage e la serigrafia, questi artisti mettono in discussione i concetti tradizionali di originalità, introducendo elementi del mondo commerciale nel linguaggio artistico. La Pop Art britannica ha avuto un impatto duraturo sull’arte contemporanea, influenzando anche la moda e il design.

Espressionismo astratto

L'Espressionismo astratto è un movimento artistico americano degli anni Quaranta e Cinquanta, incentrato su un'intensa espressione emotiva e su tecniche pittoriche innovative. Comprende l'Action Painting, in cui artisti come Jackson Pollock usavano gesti fisici e spontanei, e la Color Field Painting, in cui artisti come Mark Rothko usavano grandi aree di colore solido per evocare sensazioni. Questo movimento ha rotto con l'arte tradizionale, enfatizzando l'esperienza soggettiva rispetto alla rappresentazione realistica e ha avuto un impatto duraturo sull'arte moderna.

Arte concettuale

L'arte concettuale è un movimento artistico degli anni '60 e '70 che enfatizza l'idea alla base dell'opera d'arte rispetto alla sua forma visiva. Artisti come Sol LeWitt, Joseph Kosuth e Yoko Ono si sono concentrati sui concetti, spesso utilizzando materiali minimi o istruzioni scritte per trasmettere le loro idee. Questo approccio sfida le forme d'arte tradizionali, evidenziando il ruolo del pensiero e dell'intenzione e spesso coinvolgendo testi, installazioni o performance. L'arte concettuale ha aperto la strada a nuovi mezzi e forme di espressione nell'arte contemporanea.

Surrealismo pop

Il Pop Surrealism, noto anche come Lowbrow Art, è un movimento artistico emerso alla fine del XX secolo, che fonde elementi del surrealismo con la cultura popolare, i cartoni animati e l'arte underground. Conosciuto per le sue immagini giocose e cupe, il Pop Surrealism esplora spesso i temi della fantasia, del sogno e del bizzarro, con artisti come Mark Ryden, Camille Rose Garcia e Gary Baseman alla guida di questo stile. Questo movimento sfida le convenzioni dell'alta arte, utilizzando un mix di tecniche artistiche e riferimenti alla cultura pop per creare opere fantasiose e stimolanti.

Arte cinetica

L'arte cinetica è un movimento artistico nato all'inizio del XX secolo, incentrato su opere d'arte che incorporano il movimento o danno l'illusione del movimento. Artisti come Alexander Calder e Jean Tinguely sono stati i pionieri di questo stile con sculture e installazioni che si muovevano grazie a motori, vento o all'interazione con gli spettatori. L'arte cinetica sfida le forme statiche, rendendo dinamica l'esperienza dello spettatore e sottolineando il rapporto tra arte e tecnologia. Questo movimento ha aperto nuove possibilità nella scultura e nell'installazione, fondendo l'arte con la fisica e l'ingegneria.